EL HOBBIT DE PETER JACKSON (colaboración)

ENTRETENIDA PELÍCULA. PÉSIMA ADAPTACIÓN.

No han sido pocas las veces que he escuchado que la nueva trilogía de "El Hobbit" de Peter Jackson es sólo una excusa para sacar dinero. Yo personalmente no lo creía así, pensaba que serían grandes películas dignas del directos de "El Señor de los Anillos" pero cada película de El Hobbit me ha decepcionado un poco más (ésto no quiere decir que no sean películas entretenidas). Y me hace pensar que esas personas que pensaban que las han hecho simplemente para sacar dinero aprovechándose del éxito y prestigio de su saga anterior, tenían razón.

Comencé la primera película con todas mis esperanzas, pero acabe decepcionado, demasiado. La película es demasiado larga a mí entender, con una trama que en realidad no daría para más de una hora, pero se entretiene con aspectos que no tienen importancia, dando la sensación de que simplemente has visto un comienzo en donde el director mete relleno a su antojo. Se me hizo pesada por momentos, pero esperaba que algo interesante pasara, y sin embargo no me impacto con nada. No quise pensar nada malo, simplemente que era el comienzo y tenia la esperanza de que todo se intensificara en la segunda parte.

A pesar de mi decepción, tenía la ilusión de ver una segunda parte más interesante, impactante y con una trama mejor pero... no fue el caso. La verdad que tiene sus partes interesantes y entretenidas, que aportan mucho, pero son muy pocas en comparación, una vez más, con las partes de relleno; un relleno que se hace excesivo. Lo que nos cuenta en esta segunda parte se podría haber añadido a la primera película y hubiese quedado una digna película de 2 horas escasas entre las dos.

Hay ratos que no pasa absolutamente nada, minutos que se podían haber ahorrado. Otra parte que se hace excesivamente larga es la conversación de Smaug con Bilbo, además de que el guión hace aguas por todas partes. Luego comencé a pensar que esta parte eran solo cuidados y bonitos efectos, entretenida, nada más.

Ahora llega la tercera entrega, su punto a favor es la trama original, muy buena e interesante, pero la saga película tras película la han desinflado con tanto relleno, tanto abuso de efectos y escenas sin sentido. Esta tercera entrega es muy atractiva visualmente, con muchos enfrentamientos y efectos alucinantes pero que carece de sentido en muchas de sus partes. En ocasiones la trama se ve afectada y parece hasta olvidada ya que se centra más en el espectáculo visual. A pesar de ello el exceso de CGI es notable, la misma tierra que albergó la batalla del abismo de Helm o la batalla de los campos de Pelennor. La misma que albergó a personajes míticos como Aragorn, Gandalf, Frodo y Sam, personajes bien definidos, con una 

historia por detrás y una épica descomunal a quedado reducida a millones de horrendas batallas digitales, a orcos de mentira, a personajes vacíos y aburridos y a una mediocridad total. Ha sido un final que no me ha impactado y por mucho que me pese he de decir que esa gente que pensaba que la trilogía de "El Hobbit" era para sacar dinero, tenia razón.

Podéis opinar lo contrario pero pensad que "El señor de los anillos" es una saga que se hizo por devoción, sin ánimo de sorprender, con increíbles efectos y centrándose en la obra de Tolkien en todo momento, con un argumento sólido y fiel al libro. En cambio "El Hobbit" se ha hecho por dinero, con efectos para sorprender al público, apartando la trama por momentos para crear escenas de acción, humor e incluso diálogos sin sentido, con un argumento que no es ni de lejos fiel al libro.

He dicho.

AUTOR: @Kabax_19

SHIRLEY, VISIONES DE UNA REALIDAD

No sé si considerarla como cine, al menos no es un cine convencional, más bien habría que referirse a esta película como "obra", una obra cinematográfica basada en la obra pictórica del artista neoyorquino Edward Hopper (1882-1967).

¿En qué parte de la extensa obra de Hopper se basa esta película? pues literarlmente en sus cuadros, no es una película biográfica, no es el típico biopic que se ha hecho sobre multitud de artistas como Goya, Frida Kahlo o  Van Gogh, esta obra no tiene nada que ver con eso.

El director, el austriaco Gustav Deutsch, ha querido dar vida a la pintura de Hopper a través de un personaje femenino, inventado, al cual enmarca en cada uno de los escenarios que el pintor plasmó en sus cuadros. 

Ese personaje es Shirley, una mujer urbana, apasionada del teatro y reflexiva. Lee a Emily Dickinson, con la que parece fácil entender, se siente identificada. Por su comportamiento, por sus pensamientos, se puede adivinar que entiende la vida de una forma pesimista, se puede advertir cierto halo de tristeza y melancolía en su persona, en su manera de expresarse, en su mirada. Se nos dan las pinceladas justas en cuanto a su personalidad pero con su actitud, lenguaje corporal y con sus reflexiones, casi siempre mediante el recurso de la voz en off, se abre para nosotros y se nos muestra como una mujer apasionada y muy sensible.

Shirley vive para nosotros a través de esta obra desde los años 30 a los 60 del siglo XX. Siempre la encontramos en espacios cerrados y muy frecuentemente junto a una ventana la que siempre abre o se asoma a través de ella como buscando una libertad que ansía.
Shirley vive prisionera metafóricamente, por eso siempre se nos muestra en habitaciones o espacios cerrados, ella busca respirar, ser libre, escapar de ese mundo en el que le ha tocado vivir y nos lo muestra a través del simple gesto de abrir la ventana.

Son significativos los momentos entre escenas. En un fondo negro con letras en blanco se nos muestra una fecha y un lugar mientras, lo que parece ser, la voz de un locutor de radio narra las principales noticias del día. Casi siempre son noticias de índole política o económica, con clara actitud negativa que parece ser lo que hace que Shirley viva en una permanente tristeza, el mundo no va bien y ella no es capaz de encontrar su sitio dentro de él, eso la atormenta. Shirley entiende que la vida es "puro teatro" y nosotros estamos en permanente actuación.

Lo mejor de esta obra es ponerla en consonancia con la obra del pintor, puesto que plásticamente es como si sus pinturas hubieran sido trasladadas literalmente al celuloide.
Cada escena representa una de sus pinturas, colores planos, luces artificiales intencionadamente, cada escena es un permanente decorado en el que el personaje deambula casi siempre en soledad, o en el caso de haber varios personajes en la escena sin aparente comunicación entre ellos.
El personaje, como digo deambula, medita pero casi nunca interactúa o dialoga de forma natural. Todo es artificio pese a que la primordial intención del pintor es representar la realidad de la sociedad neoyorquina.

Edward Hopper pretende ser realista y el resultado es puro artificio, eso nos lleva a extraer una reflexión válida tanto para aquellos años 30 o 50 en Nueva York como también válida para cualquier sociedad urbana actual en la que el individuo es literalmente individuo; egoísta, vive en soledad aunque rodeado de una marabunta de personas. Un individuo que ha olvidado la esencia del ser humano que no es otra que la capacidad de comunicarse entre sí, pese a vivir en la era de las comunicaciones.

Cada escena se nos muestra con una cámara fija, desde un ángulo teatral, prima la simetría y el minimalismo en las escenas y por las sempiternas ventanas tampoco se nos muestra nada que no sea artificio. Es recurrente el binomio cama-ventana así como el sonido del tren, omnipresente a lo largo de la película. Los colores son vibrantes con predominio de los verdes y los rojos sobre fondos blancos.

Como comenzaba diciendo, no estamos ante un tipo de cine al uso si no más bien se puede encuadrar dentro del cine experimental, muy original, más propio para exponerse en una galería de arte que en una sala de cine. Cautiva por el simbolismo, la belleza plástica y la expresión, pero el mérito es del pintor en el que está basada, no del cineasta.
Es una película, por tanto, solo apta para los amantes del arte contemporáneo, pues hay que entenderla como una "performance" más que como una película.
Será difícilmente entendible si no se conoce la obra de Edward Hopper, por tanto no es una película recomendable para el gran público.

(si tienes 5 minutos también puedes escucharme en YouTube)

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EXODUS DIOSES Y REYES (colaboración)

Volvemos a contar con una colaboración en este blog. En esta ocasión es @fjmenap (twitter) quien va a hablarnos de uno de los últimos estrenos que aún podéis ver en la cartelera.

El pasado 5 de diciembre llegaba a las grandes pantallas españolas la nueva superproducción del director Ridley Scott, director de películas como "Blade Runner", "Gladiator" o "Alien". Se trata de "Exodus dioses y reyes".

Para el personaje principal el director ha contado con Christian Bale, al que recordamos por la última trilogía de "El Caballero oscuro" y como ganador de un Óscar por "The figther".

Ridley Scott nos vuelve a ofrecer una película épica como ya hiciera años atrás con "Gladiator" o "El reino de los cielos" que también tienen un trasfondo religioso.

En esta ocasión no faltan de nuevo los grandes actores, aunque no todos hagan su mejor interpretación, y los efectos especiales, así como 151 minutos de cine.

"Éxodus" nos narra la historia bíblica de Moisés (interpretado por Christian Bale), el cual se ve obligado a liberar al pueblo hebreo esclavizado por los egipcios. Como ya he dicho no es la mejor interpretación de Bale, pero tampoco es la peor, le da ese toque agridulce a la situación que vive al principio ya que es el hermano adoptivo de Ramsés y lo que lo deja en segundo plano.

Lo acompaña un gran reparto que en mayor o menor medida van ganando o perdiendo importancia en la película. Como ya he mencionado, muchos de ellos no están a la altura de los papeles a los que nos tienen acostumbrados. Es un reparto digno de tal superproducción pero que no hacen su mejor interpretación. Veamos algunos ejemplos: 

En el papel de Ramsés encontramos a Joel Edgerton  al que recordamos por películas como "El Gran Gatsby" o "La extraña vida de Timothy Green", Este irlandés aparece con mucho maquillaje encima pues ya avisó el director que prefería no elegir actores de color por miedo a repercusiones. Interpreta a un Ramsés desenfadado, más preocupado por cosas banales que por lo que realmente el pueblo necesita.

El papel de emperador lo interpreta Jhon Tarturro, Como siempre da su toque personal aunque alejado de sus últimos papeles a los que solía darle un punto cómico ("Transformers" o "Aprendiz de Gigoló") en esta ocasión hace de emperador visionario para el pueblo y sobre todo para su familia y estirpe. 

Sigourney Weaver aparece como la madre de Ramsés, un personaje que desde mi punto de vista está agarrado con pinzas ya que no tiene mucha trascendencia. Aaron Paul interpreta a Josué ayudante y confesor de Moisés y por último Ben Kingsley. 

Cabe destacar a María Valverde, la española es lo más destacado de la película pese a su corta aparición, es la que mejor interpreta su papel. En a penas 30 minutos consigue transmitirnos la angustia y la tristeza que sufre por ver que su marido Moisés debe abandonar su vida, recientemente labrada y aparentemente completa. 

Son sus 150 minutos los que hacen que la transición entre personajes sea lenta, la historia está dotada de grandes altibajos aunque con unos efectos especiales importantes que, sin duda, son lo mejor de la película junto a la caracterización y el vestuario. 

Hay que tener en cuenta que la historia abarca un amplio periodo de tiempo, décadas y eso es difícil de comprimir, intenta detallar cada suceso lo que la convierte en una película poco localizada temporalmente en sus diferentes escenas y es necesario intuir e imaginar la situación en la que nos encontramos en cada momento.

Como resumen final sólo queda reiterarnos en que es una película de duración media/larga aunque excesivamente lenta en alguno de sus puntos a pesar de tener un gran reparto.

Por otro lado y para los más creyentes, no encontramos una película completamente fiel a la historia inicial de Moisés en la Biblia ya que aquí se nos muestra como un guerrero formidable centrado más en el arte de la guerra hasta la última batalla que en otra cosa.  

AUTOR: Francisco Javier Mena  (@fjmenap en twitter)

INTERSTELLAR

A estas alturas serán muy pocos los que no hayan ido al cine a ver la película de la que os voy a hablar o al menos, los que no hayan oído o leído algo sobre ella.

"Interstellar" se ha convertido en el fenómeno cinematográfico del momento desde el pasado 7 de noviembre que llegara a nuestros cines. Si nos paramos a analizarla, podemos deducir que ese éxito se debe a que ha sabido conjugar todos los elementos necesarios aunque sin recurrir a priori, a la sencillez argumental que suele acompañar a los grandes taquillazos.
¿Qué quiero decir con eso? pues que en esta película se ha juntado un reparto que por sí solo puede levantar cualquier película, además de un director de renombre que nunca deja indiferente, con un tema muy cinéfilo como es el apocalipsis o la inminente destrucción del planeta o de la raza humana.

Si se conoce un poco la trayectoria de este director, Christopher Nolan, podíamos adivinar que no nos presentaría una película sencilla. Es Nolan muy dado a jugar con las capas, poniendo al límite la capacidad de comprensión de los espectadores, unas veces con los sueños, otras con los recuerdos o como en este caso, con la capa espacio-temporal.

Pero lo cierto es que aunque parece una película compleja, adornada con un montón de tecnicismos, de conceptos físicos que muchas veces se nos escapan, la raíz del argumento, la esencia última, es muy sencilla. Nolan nos habla de la cualidad humana más primaria, el instinto de supervivencia y el instinto de protección, especialmente para con nuestros seres queridos.

El director sabe mezclar con gran maestría la acción con la sensibilidad, la racionalidad más fría con la calidez humana haciendo que por sí sola no destaque ni una ni otra pero dando como resultado un equilibrio pasmoso que una veces te hace saltar de la silla y en otras tirar de pañuelo pero eso sí sin pararte a pestañear ni un segundo durante los 170 minutos que dura.

No voy a hablar de originalidad en la trama porque como digo, el tema no es algo novedoso, en los últimos años podemos citar títulos que pueden tener un argumento parecido por una cosa u otra como "Elysium" o "Gravity", una por la idea de buscar un lugar extraterrestre donde refugiar a la humanidad ante la inminente destrucción del planeta y la otra por acercarnos a la manera de trabajar de los astronautas. Se puede decir que en "Interstellar" se aúnan ambas aunque con más realismo que la primera y más ficción que la segunda.

Como decía el reparto también ayuda y es que podemos ver a un Matthew McConaughey impecable del que me atrevo a vaticinar que volveremos a ver peleando por la estatuilla en los próximos Oscars. Este actor vive el momento más pletórico de su carrera y parece no tener límites. Aquí interpreta al protagonista, al héroe, pero con una humanidad desbordante que consigue atravesar la pantalla.
Como secundarios de lujo le hacen la réplica, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine o Matt Damon entre otros, por citar a los más conocidos aunque el reparto al completo es de primera fila. 

Recomiendo esta película tanto a los amantes de la ciencia ficción como  a los amantes del realismo cinematográfico, no os dejéis abrumar por la palabrería ni los conceptos abstractos porque como digo es una película más sencilla de lo que parece. Es una película para disfrutarla, para no buscarle sentido científico a todo lo que nos cuenta puesto que no deja de ser ficción y como tal hay que entenderla, es una película para involucrarte en la aventura y en los sentimientos de sus personajes, para abrir la mente y dejarte llevar por los sentimientos.

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OMAR

Omar, es una película palestina que compitió en la pasada edición de los Oscars como mejor película extranjera. Llegaba a España en el mes de julio de 2014 y acaba de salir su edición para el mercado doméstico.

Esta película es un drama romántico con el conflicto palestino como telón de fondo, se mueve en un primer momento entre una historia de amor y los conflictos sociales del país, para degenerar con suma inteligencia en un thriller plagado de intriga, acción y giros inesperados. Con todo eso quiere hablarnos de lo efímera que es la felicidad sobre todo en algunos lugares.

El protagonista es el chico que da nombre a la cinta. Omar es un panadero que cada día salta el muro que separa Cisjordania de Israel para ver a su novia Nadia. Entre ellos hay una relación casi platónica, el poco contacto que mantienen es de manera furtiva, basado en miradas cómplices, llenas de deseo y por cartas secretas e inocentes que intercambian cada vez que se ven.

Uno de los motivos por los que guardan en secreto su relación es porque Nadia es la hermana de uno de los mejores amigos de Omar, desde la infancia, Tarek.
Tarek, Omar y un tercer amigo, Amjad, están muy volcados en la lucha por la libertad de su pueblo y desde que estuvieron involucrados en la muerte de un soldado israelí la policía los vigila de cerca.

A partir de ahí el argumento entra en una espiral de chantajes, personajes que no son lo que parecen, mentiras y angustia para nuestro protagonista que parece ser el eje de todo lo que ocurre a su alrededor.

El personaje de Omar es en el que más se profundiza dejando al resto de personajes en un segundo plano. En torno a él y a sus actos gira toda la trama y es el auténtico perdedor de la historia.

"Omar" es el quinto largometraje del director neerlandés de origen palestino Hany Abu-Assad. Con esta película de identidad propia hace que el cine palestino dé un paso al frente. Es la primera producción plenamente palestina aunque la factura personalmente me parece muy europea.
Está grabada casi por completo en la ciudad de Nazaret y transmite perfectamente la esencia de la ciudad árabe: laberíntica, de calles estrechas, con una luz tan peculiar... para ello hay que destacar los diferentes planos secuencia que el director utiliza en las persecuciones que tienen a Omar como protagonista.

En cuanto a los actores tengo que decir que para mí son completamente desconocidos pero me ha encantado el actor principal Adam Bakri. Es un actor muy polifacético, dentro de la misma historia interpreta diferentes roles y en todos destaca, especialmente en los primeros planos de cámara. Su imagen en pantalla tiene una gran personalidad y es capaz de cautivar al espectador, algo necesario para contar una historia tan intensa.
Como digo es el actor que desarrolla un papel más completo y habrá que seguirle la pista muy de cerca.

Desconozco si esta película ha sido doblada al castellano, la edición que he tenido la oportunidad de ver es en versión original cosa que me encanta puesto que me resulta más realista escuchar las voces originales, además es una película con poco diálogo por lo que se puede entender sin problema alguno.

En el caso de que no se haya doblado al español es un "handicap" importante porque creo que es una película compatible para todo tipo de público y parte de ese público se la va a perder por no estar dispuesto a leer hora y media de subtítulos.

Tengo que recomendarla igualmente porque es una auténtica maravilla, una historia tan contemporánea como sorprendente que no va a dejar indiferente a nadie.

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DE TAL PADRE, TAL HIJO

Desde el país del Sol naciente nos llegaba en 2013 este drama familiar en el que el director, Hirokazu Koreeda nos envuelve en un dilema moral con los lazos de sangre como tema principal.

Ambientada en el Japón contemporáneo nos cuenta la historia de una familia idílica. El padre es un arquitecto de éxito, tienen buena posición económica, viven en la ciudad y la mujer se dedica en cuerpo y alma a atender a su único hijo.
Un buen día y años después del nacimiento del pequeño les avisan desde el hospital que hubo un intercambio y que por tanto, el que hasta ahora habían criado y querido como su hijo, no es su hijo.

La película refleja la propia personalidad, la forma de hacer y hasta la cultura japonesa a través de su factura. Una música a piano acompaña de fondo gran parte de la película. La fotografía transmite limpieza y pureza nada es azaroso e incluso en los planos suele primar la simetría.

En cuanto a los actores tengo que decir, como ya he dicho alguna vez refiriéndome al cine oriental, que suelen parecerme muy sobreactuados pero en este caso los actores son comedidos y capaces de transmitir las inquietudes de sus personajes casi sin expresarse hablando.

En este sentido los personajes adultos son los que más nos tienen que contar. Se enfrentan a un gran dilema moral que es el echo de decidir si intercambian de nuevo a sus hijos o si un hijo no es el que lleva tu sangre, si no al que crías, cuidas, educas y quieres.

Ambas familias son muy diferentes, tienen una condición social muy dispar así como la condición humana. La familia acomodada, aparentemente ejemplar, no tiene por qué ser la más feliz. El padre, obsesionado con su trabajo, no dedica tiempo a la mujer, y al niño solo lo atiende para recordarle sus deberes. Portándose más como un instructor que como un padre. Hay una gran falta afectiva. Incluso el propio hogar no parece más que un hotel en el que la disposición de cada objeto está estudiada al detalle con un resultado frío y sin alma.

Sin embargo la familia rural, numerosa, que vive de forma precaria, es también la familia más unida. El padre, pese a ser tendero, sin una educación elevada, dedica mucho tiempo a sus hijos y a su esposa. La complicidad entre ellos es evidente.

Me gusta soberanamente el papel de las madres. Pese a parecer secundario, puesto que son los personajes masculinos a los que más tiempo se le dedica, sus papeles son con los que nos podemos sentir más identificados. Al fin y al cabo es la madre la que durante nueve meses ha gestado a la criatura que después ha dado a luz.
Para ellas, especialmente para la mujer de la familia acomodada,supone un error garrafal como mujer, el echo de no haberse dado cuenta del intercambio, y sufre mucho con todo lo que está ocurriendo.

La otra madre, la humilde, no parece sufrirlo tanto pero es porque tanto ella como su esposo creen que el amor va más allá de la sangre, realmente les parece anecdótico todo lo que está pasando puesto que en ellos no va a cambiar la manera de comportarse con su hijo, al que han criado, al que quieren como tal.

La moraleja de la cinta es muy bonita y toda una lección de vida, de esas que cuando eres joven no valoras pero que con la edad comprendes y aprendes a valorar. Nos viene a decir que lo verdaderamente importante no se compra con dinero, y que muchas veces hasta que no perdemos las cosas no las valoramos.
En muchas ocasiones los padres desean que sus hijos tengan todo lo que ellos no tuvieron, centrándose en que participen de un montón de actividades, olvidándose quizás que los niños, son niños, y como tal ven las cosas. Creo que para un niño la mejor actividad extraescolar que puede existir son las horas que pasen con sus padres, jugando o compartiendo experiencias. Creo que eso es algo que cuando crezcan valorarán más que cualquier otra cosa.

De todo eso y de mucho más nos habla esta maravillosa película que recomiendo a todo el mundo. Trata un tema que de una forma u otra a todos nos toca puesto que con la excusa del intercambio de los niños nos habla de las relaciones entre padres e hijos, y de eso todos podemos opinar.

GRACIAS POR LEERME
Como siempre a continuación os dejo el trailer de la película y también os quiero invitar a nuestro canal de YouTube  al que podrás suscribirte de forma gratuita.

DIGNO DE LLAMARSE REMAKE (colaboración)

Por P.J.Kaba (@Kaba_19)

Seguro que todos habréis visto en televisión o en cine algún remake que otro, incluso sin saberlo habréis visto alguna película que lo es y tiene su predecesora. Sobre ello quería hablar ¿Son o no necesarios estos remakes?
Que haya un auge de de este tipò de películas hoy en día, no se debe a otra cosa que no sea la falta de ideas de los directores y guinistas, los cuales rebuscan en un cajón y recurren a argumentos que ya hemos visto en la pantalla. El mejor ejemplo es  Hollywood que últimamente incapaz de crear buenos filmes saca a la palestra éxitos pasados ​​y normalmente, dejando bastante que desear. 
Algunos remakes que nos podrían haber ahorrado:
- "Old Boy" remake de la gran película coreana "Old Boy"
-  "Vanilla Sky" remake de de la española "Abre los ojos".
- "Déjame entrar (Let Me In)" remake de la película sueca con el mismo nombre "Déjame entrar".
- "Psicosis" de Gus Van Sant, copiando la obra maestra de Alfred Hitchcock "Psicosis".

Pero hay algunos remakes que merecen la pena e incluso los hay mejores que las cintas originales, en ellos quiero centrarme un poco más y poner algunos ejemplos.

- "Drácula de Bram Stoker" del Año 1992, el remake de la película de "Drácula" del Año 1931. Caso curioso ya que ambas son una adaptación de la novela con el mismo titulo que escribió Bram Stoker y que fué publicada en 1897.

La original, es obra de Tod Browning y Karl Freund, está considerada como uno de los clásicos del cine de terror y una de las mejores dentro del cine de vampiros sobre todo por la gran interpretación del conde que hace el actor  Bela Lugosi .

El remake de 1992 que realizó Francis Ford Coppola fue sin duda una gran adaptación, pero sobre todo destacó la capacidad que tubo para humanizar al monstruo centrándose en los orígenes de éste y en el inicio de su maldición. El terror aumentó en esta nueva película gracias a la excelente actuación de Gary Oldman como el conde, acompañado de un perfecto vestuario, maquillaje y rodeado de actores como Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves o Monica Belluci.

- "King Kong" del Año 2005, remake de "King Kong" del Año 1933.

La película original, data del año 1933 rodada por Merian C.Cooper y Ernest B.Schoedsack, el remake  no es muy lejano, concretamente del año 2005 y fue llevado a cabo por Peter Jackson, director mundialmente conocido gracias a la excelente adaptación de " El Señor de los Anillos ".

En mí opinión Jackson a hecho un remake con respeto, cariño y lleno de homenajes a la cinta original. Al fin y al cabo se supone que lo que la película nos quiere contar es una historia de amor ... El papel de Naomi Watts es de lo mejor, las escenas donde se gana la amistad del enorme simio a base de saltos, un baile sobre una pista de hielo imaginario o frente al sol posado en el horizonte son para dejarse llevar y contemplar la belleza del cine en la gran pantalla.

- "La Cosa" del Año 1982, remake de "El enigma de otro mundo" de 1951.

Dirigida en 1951 por Christian Nyby y Howard Hawks "El enigma de otro mundo" es una muestra de la ciencia-ficcion de los años cincuenta, sin contar con los efectos visuales de hoy en día la película consigue crear un clima de intensa expectativa. Unos científicos en el ártico que descubren un visitante de otro mundo ... considerada de culto dentro de los géneros de ciencia-ficción, intriga y terror. 

En el año 1982 el director John Carpenter realizaría el remake titulado "La Cosa", uno de los pocos considerados mejores que la cinta original. Con el mismo argumento Carpenter logra todo un  despliegue de tensión, acción, drama y terror. Además de superar en todos sus aspectos a la original consigue mantener cada uno de sus puntos fuertes absolutamente intactos, una película donde nadie sabe quien es quien, obra maestra para todo amante del buen cine.

- "La Matanza de Texas" del Año 2003, remake de "La Matanza de Texas" del Año 1974.

Aún me estremezco cada vez que recuerdo la cinta original de "La Matanza de Texas" de 1974 dirigida majestuosamente por Tobe Hooper. Estoy seguro que incluso a quien la vea hoy en dia le seguirá impactando. El remake es del año 2003, dirigido por Marcus Nispel y no llega ni a rozar la cinta original pero queria dejar mi opinión sobre ellas.

La pelicula está inspirada en los hechos reales de la vida de Ed Gein.

 Hooper aterrorizó al mundo mostrando una violencia en pantalla nunca vista hasta ese momento. Esto encumbró a Leathearface como el primer asesino psicópata de la historia moderna del cine, acompañado de una familia de caníbales en pleno siglo XX, unos hechos que escandalizaron hasta el extremo de la censura y en algunos casos incluso de no llegar a estrenar la película.

Con semejantes antecedentes, en 2003 Marcus Nispel adaptó la cinta a nuestros días realizando desde mi punto de vista un remake bastante digno con una muy buena fotografía. A pesar de ello no obtuvo el éxito de su predecesora e incluso fue objeto de numerosas criticas pero claro, hoy en día visto lo visto ¿quien se asusta por ver a un enmascarado con una moto-sierra?

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PERDIDA

Hace una semana se estrenaba en las salas de cine españolas el último trabajo del director estadounidense David Fincher con Ben Affleck como protagonista y bajo el enigmático título de "Perdida".

A David Fincher se le puede catalogar como uno de los reyes del thriller, es uno de los directores más prolíficos en este género y también uno de los más reconocidos. Lo avalan títulos que ya son historia del cine como "Seven" (1995), "The Game" (1997), "El club de la lucha" (1999), "Zodiac" (2007), "El curioso caso de Benjamin Button" (2008) o "La red social" (2010). Aunque en su carrera también ha habido momentos de claroscuros.
Por tanto parecía que con "Perdida" volvería a cautivarnos y en parte así ha sido aunque ésta es una de esas películas que hay que analizar concienzudamente, como siempre intentaré no desvelar nada trascendental del argumento pero creo que este análisis no lo entenderá al cien por cien quien no la haya visto.

Lo primero que hay que dejar claro es que, como la gran mayoría de las películas de Fincher, es muy larga, casi llega a los 150 minutos, este director suele sobrepasar las dos horas de metraje y en parte es preferible que así sea ya que una buena película de intriga tiene que ser minuciosa y eso necesita tiempo.

LA HISTORIA
Es la adaptación de la novela con el mismo título escrita por Gillian Flyn en 2013.
Esta película nos cuenta la historia de un matrimonio joven, una pareja idílica que vive en una preciosa casa, son guapos y llevan una vida agradable. Una mañana, después de su quinto aniversario de bodas, la mujer desaparece sin dejar rastro y a raíz de ahí van saliendo a la luz los trapos sucios que rodean al matrimonio teniendo en el centro de la sospecha al marido.
El director nos la cuenta como si de un diario se tratara, señalando los días y momentos importantes y mezclando el tiempo real con flashbacks que nos ayudan a entender cómo ha sido la relación de los protagonistas antes de los acontecimientos.
LOS PERSONAJES
Los personajes principales son el matrimonio, interpretado por Ben Affleck que hace de Nick y Rosamund Pike que interpreta a Amy.
Ella es una mujer pasional, guapa, elegante, sumisa a priori pero que no deja de ser intrigante. Este personaje es el que tiene más matices y Rosamund interpreta de maravilla cada una de las caras de su personaje.

A lo largo de la historia pasa por diferentes fases, se puede decir que va en declive personal y es una especie de viaje a través de su locura, es un personaje en continua involución.
Se puede dividir la película en tres partes atendiendo al proceso evolutivo de este personaje. De esas tres partes para mí la mejor es la segunda, creo que es cuando se muestra el personaje con total naturalidad, el momento en el que no obedece a ningún protocolo, en esa segunda parte Amy es ella misma, sin disfraces, como si en el resto de la película estuviera tapada por una máscara.

A Affleck lo veo demasiado comedido e inexpresivo. Al principio no se puede entender bien su comportamiento y eso es parte del personaje pero en general lo veo plano. Ella lleva todo el peso interpretativo, es la verdadera protagonista.

Otro de los personajes con  más peso es Neil Patrick Harris que protagoniza la parte final de la cinta, para mí es en esa parte en la que la historia se devalúa. Toda la fuerza que había ganado en la parte anterior, la parte central, se pierde con esta última que ocupa prácticamente la última hora de película. No creo que sea problema del actor, si no por la historia en sí. Creo que se intentó "rizar el rizo" con el desenlace y quizá una explicación más previsible hubiera dejado mejores sensaciones en el espectador. Es tan descabellada esta parte final que, para mí, es poco convincente.
Los padres de la protagonista juegan también un papel muy importante porque aunque no parecen ser muy fundamentales en la trama y no ocupan muchos minutos en pantalla, creo que son la raíz de todo lo que envuelve la personalidad de Amy.

CONCLUSIÓN
En general me ha gustado, es un thriller muy recomendable pero no creo que sea la mejor historia que Fincher pueda contarnos. Como he dicho la película va ascendiendo en calidad para caer en picado con la parte final. No creo que sea problema de la dirección ya que la historia está basada en una novela y es la que es, el problema es el intento de querer llegar más allá en la propia trama.

Me ha parecido original la personalidad de los personajes, la historia y también la manera en la que se nos cuenta. No deja cabos sueltos y está narrada al detalle.
Por el trailer parece que se va a centrar en la "caza de brujas" a la que es sometido el personaje de Nick y aunque eso aparece, no es lo más relevante. La película  no se centra en él como sospechoso, si no en ella como persona, toda la película gira en torno a despojarla de las capas que la tapan para enseñarnos como es realmente y Nick es quien nos ayuda a descubrirla.
El papel de Amy es muy sorprendente y no deja indiferente, además de ser sumamente interesante a nivel interpretativo.

Le recomiendo esta película a todos los amantes del género porque está bastante bien como thriller advirtiendo de su larga duración.

¿La has visto? ¿compartes mi opinión? ¿con qué trabajo de este director te quedarías?

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MADRE E HIJO (el auge del cine rumano)

Creo que es la primera vez que comento una película de nacionalidad rumana por aquí y ésta va a ser la excusa perfecta para que os hable de un cine que está en alza en los últimos años y que era,  hasta ahora, uno de los menos reconocidos dentro del cine europeo.
Como digo, en los últimos años está alcanzando protagonismo gracias a una identidad muy propia. En unos casos el cine rumano vuelve su mirada a los años comunistas y a las consecuencias que eso ha acarreado en la sociedad presenta y en otros ahonda en los problemas sociales y humanos de la población.
A continuación os dejo una lista con los directores más destacados y algunos de sus imprescindibles trabajos:

Cristi Puiu                        "La muerte del señor Lazarescu" (2005)
Corneliu Porumboiu       "12:08 Al Este de Bucarest"   (2006)
Catalin Mitulescu           "Como celebré el fin del mundo" (2006)
Cristian Mungiu             "4 meses, 3 semanas y 2 días"  (2007)
Cristian Nemescu           "California Dreamin" (2007)
Marian Crisan               "Morgen" (2010)
Radu Muntean              "Martes después de navidad" (2010)
Anca Damian                "Crulic, camino al más allá" (2011)
Radu Jude                    "Everybody in Our Family" (2012)
Tudor Giurgiu            "De caracoles y hombres" (2012)

De la película que os quiero hablar es de "Madre e hijo" del joven director de 39 años Calin Peter Netzer, es de 2013 aunque no llegara a las salas españolas hasta este año. Esta película se alzó con el Oso de Oro del Festival de Berlín en 2013.

Nos cuenta una historia muy sencilla, la de una madre de clase alta, que la misma noche en que celebra su cumpleaños recibe la noticia de que su hijo ha sufrido un accidente de tráfico en el que ha atropellado a un niño que ha fallecido en el acto.

Dentro de las dos vertientes que citaba anteriormente en las que se divide el cine rumano, esta película abarca la segunda. La película ahonda a través de esta "cotidiana" historia en la realidad del país haciendo una crítica feroz a los organismos públicos, a una sociedad corrupta en la que mandan el dinero y las influencias más que la propia justicia.

Nos cuenta todo eso personificado en el papel de la madre, interpretado por una perfecta Luminita Gheorghiu. Es una mujer sobre protectora y autoritaria, a la que le gusta controlar todo a su alrededor y que ante la situación que acontece decide tomar el mando y hacer todo lo posible para que su hijo no salga malparado. En un primer momento se nos presenta como una mujer fría, cínica y calculadora pero el personaje evoluciona, como lo hace la propia película, y al final vemos a una madre derrotada y compasiva que hace que el corazón del espectador se encoja.

El hijo, Bogdan Dumitrache, parece incapaz de reaccionar y se muestra sumiso ante las decisiones de la madre hasta esa parte final, para mí la mejor de la historia, que deja al espectador petrificado ante la pantalla.
Son prácticamente los únicos personajes en los que se ahonda llevando ella todo el peso interpretativo.

En cuanto a la narración de la cinta se nos muestra casi como un documental, con una cámara en continuo movimiento y una luz tenue y cálida. Haciendo al espectador formar parte de la historia porque parece que la vive en primera persona. La cámara se mete en medio de los largos discursos de los personajes transmitiéndolos como parte de esa acción pausada que caracteriza a este tipo de cine.

Y es que el cine que se está haciendo en Rumanía se caracteriza como el cine europeo en general, en contar historias que parecen pequeñas a priori pero que esconden grandes reflexiones sociales y emocionales. No necesitan de grandes efectos visuales para llegar al espectador con una cercanía pasmosa.

Recomiendo esta película a los amantes del cine europeo que valoren el cine de historias humanas y la factura delicada y simplista.
¿Conocéis alguno de los directores que os mencionaba al principio?¿habéis visto alguna película de nacionalidad rumana? ¿Qué opinión os merece este tipo de cine?
Me encantaría saber vuestra opinión.

GRACIAS POR LEERME

LA ISLA MÍNIMA

¿Te gusta el cine negro, el cine policíaco lleno de suspense, dobles caras y con finales impredecibles? si tu respuesta ha sido sí, ésta es tu película; "La isla mínima" del director sevillano Alberto Rodríguez.

LA HISTORIA
Ambientada en el año 80 y en las marismas del Guadalquivir. Dos policías con diferencias ideológicas notables se ven obligados a trabajar juntos en el caso de dos hermanas adolescentes desaparecidas.
Aunque ese es el argumento principal, la película se compone de pequeñas historias alrededor de esa. Historias que a veces ayudan a hilar la principal y que en otras ocasiones juegan al despiste con el espectador.
LOS PERSONAJES
Los dos personajes principales están interpretados por Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez. Dos actores, especialmente éste último, a los que en pocas ocasiones hemos visto realizando papeles dramáticos, por ello sorprenden soberanamente. Demuestran ser dos grandes actores, llenan la pantalla especialmente en momentos de poco diálogo en los que el director juega con gestos y miradas.

El personaje interpretado por Raúl es el de un joven idealista, convencido de que el país realmente va a cambiar tras los años de transición política, pero en la evolución de la película entendemos que termina desencantado asumiendo que los cambios que el país necesita son más profundos de lo que él ha imaginado.
El personaje de Javier juega al despiste, aunque no es el único. Suele suceder en los trabajos de este director, los personajes son enigmáticos, hay que ir deshojándolos poco a poco, prestando atención a pequeños gestos, a conversaciones que parecen casuales para comprenderlos realmente.
Otros personajes a destacar aunque secundarios son Jesús Castro, Nerea Barrios, Antonio de la Torre, Jesús Carroza o Salvador Reina.

Jesús Castro se ha dado a conocer recientemente a través de la producción "El niño" de Daniel Monzón. En esta ocasión hace un papel similar para el que, como en la otra cinta, es probable que haya sido elegido por su físico aunque tengo que admitir que en "La isla mínima" me ha parecido que tiene más matices como actor, me gusta más esta interpretación.

Nerea Barrios y Antonio de la Torre interpretan a los padres de las chicas desaparecidas. Me cuesta mucho ubicarlos por la edad, no me los creo como padres de dos chicas casi adultas aunque la interpretación de ambos es perfecta.
Jesús Carroza y Salvador Reina ocupan pocos minutos en pantalla pero al primero me ha gustado verlo después de que ya trabajara con este director en "7 vírgenes" aunque este personaje no sea tan carismático como aquel. A Salvador lo recuerdo de una serie de Canal Sur, de hace años y también me ha gustado reencontrármelo haciendo además un papel divertido, sencillo y secundario aunque en realidad sea los pies de los protagonistas.

 No podemos dejar de mencionar al que ha sido el personaje omnipresente en la película, el encargado de darle esa atmósfera tan particular, el que ha ayudado a que el resultado sea de una fotografía impecable, el que aporta carisma e identidad propia. Es el paisaje.

Está rodada en el Bajo Guadalquivir, en medio de las marismas, algo que ha dado un resultado único aunque como afirma su director fuera muy complejo y duro trabajar allí, me atrevo a decir que tan duro como es la propia historia.
Se han hecho comparaciones de "La isla mínima" con la serie americana "True Detective" protagonizada por Matthew McConaughey y uno de los aspectos en los que coinciden es en la estética, aunque también hay parecidos en algunos personajes o en la trama. Temporalmente cuando la serie se estrenó, la película ya estaba rodada por tanto cualquier parecido no es más producto que de la casualidad.

CONCLUSIÓN
Me ha parecido una película muy sensorial, la disfrutas por todos los sentidos. Sumerge al espectador en un laberinto en el que cualquier salida puede ser o no la adecuada. Se pueden hacer mil conjeturas puesto que el final es bastante abierto y cualquiera de ellas puede ser válida porque la historia está realmente medida. Es una película muy cuidada en todos los aspectos.
Como decía al principio es puro cine negro aunque con identidad propia, algo en lo que el director es ya un especialista después de sus anteriores trabajos "Grupo 7" y "7 vírgenes" y con lo que demuestra que hay un cine español de género capaz de competir con las mejores producciones americanas, con buenas historias, buena factura y grandes actores.
Le recomiendo esta película a todo el que disfrute con el thriller, con el suspense, eso sí con la advertencia de que en esta película nada es concluyente, al terminar se necesita cierto reposo para estudiar el desenlace. En mi caso hace 48 horas que la vi y aún estoy atando cabos.

A continuación os dejo el trailer de la película y también el enlace a la revista "Film magazine digital" del mes de octubre que se ha publicado hoy y de la que soy colaboradora.

GRACIAS POR LEERME