"SEÑOR DAME PACIENCIA" estrena su Teaser Trailer

"Señor, dame paciencia" estrena su teaser tráiler

La película está dirigida por Álvaro Díaz Lorenzo

Protagonizada por Jordi Sánchez, Megan Montaner, David Guapo, Silvia Alonso, Salva Reina, Eduardo Casanova, Paco Tous, Bore Buika, Rossy de Palma y Andrés Velencoso

Señor, dame paciencia llegará a las pantallas españolas el próximo 16 de abril

Señor, dame paciencia presenta su teaser tráiler. Esta comedia dirigida por Álvaro Díaz Lorenzo (Café solo o con Ellas) cuenta con los actores Jordi Sánchez, Megan Montaner, David Guapo, Silvia Alonso, Salva Reina, Eduardo Casanova, Paco Tous, Bore Buika, Rossy de Palma y Andrés Velencoso, entre otros. El rodaje de esta gran comedia ha tenido lugar durante 7 semanas en localizaciones de Madrid, alrededores y Sanlúcar de Barrameda.

Según el director Alvaro Diaz Lorenzo “Señor Dame Paciencia” habla de esas discusiones y tensiones familiares que todos tenemos, de esas cenas navideñas interminables en casa de tu suegra, de esos domingos en la playa con tus cuñados o de esos cumpleaños de niños que casi ni conoces. Pero también habla de que al final del día uno se da cuenta de que por encima de los prejuicios, las rivalidades y las enemistades absurdas está la familia, ese grupo de personas que aunque no eliges es el que te hace sentir en casa y te quiere por encima de todo”.

El grupo Bombai es autor de la canción principal de la película, “Solo si es contigo”, que también interpretan junto a Bebe. Una oda a la amistad, tratada con  un estilo fresco y vivo. 

La película está producida por DLO, Suroeste Films, Atresmedia cine y será  distribuida por Warner Bros Pictures España. Señor, dame paciencia llegará a las pantallas españolas el próximo 16 de junio

SINOPSIS

Cuando la mujer de Gregorio, un banquero muy conservador, muy del Madrid y muy gruñón, fallece repentinamente, éste se ve obligado a cumplir su última voluntad: pasar un fin de semana con sus hijos y sus parejas en Sanlúcar de Barrameda para esparcir sus cenizas en el Guadalquivir. Aquí es donde empiezan los problemas para Gregorio, ya que su hija Sandra está casada con Jordi, un catalán muy culé, que quiere llevar a su futuro nieto a un colegio bilingüe catalán-inglés en Barcelona, y al que el patriarca, por supuesto, no soporta. Su otra hija Alicia, está saliendo con Leo, un hippy anti-sistema al que Gregorio tampoco puede ni ver  y Carlos, su hijo pequeño, con el que lleva seis meses sin hablarse desde que salió del armario, se presenta  con su novio Eneko, un vasco de origen senegalés, un yerno que Gregorio jamás imaginó tener. Este viaje multicultural pondrá a prueba la tolerancia y la capacidad de perdonar de una familia tan disfuncional como cualquier otra, en el que tendrán que aprender a aceptarse los unos a los otros, con sus virtudes y defectos.​

EL PREGÓN

SINOPSIS                                                                                                                      

 Juraron que no se verían las caras nunca más... Pero, por una cantidad razonable de dinero, están dispuestos a hacer una excepción. Los hermanos Osorio, glorias olvidadas de la música electrónica de los 90, han tocado fondo. Cuando les contratan para ir juntos a dar el pregón en su pueblo natal, Proverzo, no imaginan la que se les viene encima. Sus intenciones de llegar, ganarse el dinero y salir corriendo se ven truncadas por planes secretos, hordas de fans y tradiciones ancestrales. 

Si salen de allí con vida ya será todo un logro…

NOTAS DEL DIRECTOR – DANI DE LA ORDEN

Pocos guiones hacen que se te escape alguna carcajada en una primera lectura. La mayoría de veces te esbozan varias sonrisas mientras piensas: “será gracioso, funcionará…” Hay una confianza ciega en que cuando el personaje tenga cara y todo este en la pantalla, la magia del gag sea visible.

Pero "El Pregón" para mí fue un caso diferente: con una primera lectura ya te hacía soltar carcajadas libres, directas y honestas. Tenía que formar parte de aquello. Quería ver cómo funcionaba el humor y cómo podía hacer que el engranaje cómico fuera mas fluido: en definitiva; ¡quería hacer una comedia!.

Partir de un guión de David Serrano, con una idea de Diego San José, era para mí ponerme en un proyecto donde sus "creadores" ya eran admirados por un servidor. Era ponerme en una liga que antes había visto desde fuera, con mucha admiración, y ponerme en la misma mesa fue un disfrute.

Siempre abordo los proyectos en función de la honestidad de estos: “El Pregón” lo veía como una película de feel good con varias situaciones disparatadas que te impedían parar de reír. Era todo un reto. Pero también quería que sus protagonistas tuvieran un efecto empático con el público; que la comedia tuviera un punto ligeramente emotivo, para no quedarse únicamente en el gag.

Para contar la historia era importante tener en cuenta que "la comedia es algo muy serio". Es decir, abordar las situaciones a nivel interpretativo siempre desde el drama real de los personajes, para así crear el contraste después. La óptica del director tiene que ser cómica, pero el actor no podía interpretar su personaje en clave de comedia.

Por eso quería hacer una película con ritmo, que nunca parara, que la llegada al pueblo se convirtiera en un río de peripecias imparables. Todo esto lo reforzamos con varios efectos visuales y sonoros para crear esta peli con el ritmo que buscaba.

A partir de ahí; entran los dos nombres clave, Romero y Buenafuente. Ver en la gran pantalla esa química real que tienen es un lujo y trabajar con ella, un disfrute. Me interesaba sobre todo alejarnos de su figura pública y que tuvieran un aspecto poco reconocible (el tupé de Berto Romero, el poco pelo de Andreu Buenafuente...) Todo para crear una ficción cinematográfica: una comedia.

La idea era hacer, y copio las palabras de Berto, “una comedia de engranaje”. La comedia tiene algo muy misterioso; y es que si no tiene el ritmo adecuado, la inercia perfecta y su equilibrio, si te desvías de eso un segundo, un plano más o un plano menos, el gag deja de funcionar. A veces no sabes qué es; si falta pausa o hay que quitarla, pero está claro que la comedia tiene un "único ritmo" que se encuentra en rodaje, pero, sobre todo, en montaje. Todo esto pasa desapercibido para el espectador (“si es gracioso escrito, será gracioso rodado”), pero no es así. Y por eso creo que los directores en comedia son fundamentales; para que creen el tono adecuado para que el humor fluya y le den el ritmo que necesita el gag.

A todo esto, detrás de cada uno de esos gags había una bonita historia que me enganchó: un reencuentro, la incapacidad de decirnos lo mucho que nos queremos, y la facilidad que tenemos por distanciarnos y crear muros entre nosotros, por motivos a veces banales o faltos de comunicación.

Me emocionaba el reencuentro entre dos hermanos, pero sobre todo me emocionaba el retrato de dos perdedores, uno más soñador que otro, pero en definitiva dos losers que se separaron tras un fracaso. Me fascinaba el personaje de Andreu y su voluntad de ejercer de "padre", así como el sueño quijotesco de Berto de volver a conseguir la fama (haciendo ver que todavía la tiene). Estos dos personajes totalmente acabados que tienen que compartir habitación en un pueblo un tanto pintoresco tenían que tener un punto adorable.

Otro tema que ya se ve en el propio cartel es el contraste del pueblo-ciudad, y cómo muchas veces los "urbanitas" actuamos con demasiada condescendencia, hasta el punto de desencadenar situaciones absurdas y ridículas.

DANI DE LA ORDEN (Director)

FICHA ARTISTICA                                                                                                 

Juan                                                               Andreu Buenafuente

Richi                                                               Berto Romero

Silvia                                                              Belén Cuesta

Francisco                                                      Goyo Jiménez

Alcalde                                                         Jorge Sanz

FICHA TÉCNICA

Director:                                                     Dani de la Orden

Guión:                                                         David Serrano, Diego San José y       Daniel González

Director de Fotografía:                             Isaac Vila

Productores ejecutivos:                            Toni Carrizosa

                                                                     Rosa Pérez    

Productores:                                              Andreu Buenafuente

                                                                                                     Berto Romero

                                                                        Mikel Lejarza

Director de Producción:                           Alberto Aranda

Ayudante de dirección:                             Javier Rodríguez     

Directora Vestuario:                                 Mariona Mas                                  

Maquillaje y peluquería:                           Karol Tomaría

Sonido directo:                                          Urko Garai                                      

Montaje:                                                      Alberto Gutiérrez

Diseño de sonido:                                      Marc Orts

Director de Arte:                                       Rafel Vives y Marc Mateu

 GRACIAS POR LEERME

OCHO APELLIDOS CATALANES (vídeo)

Hola a todos. Hoy os traigo una nueva opinión personal en forma de vídeo. Espero que os guste.

GRACIAS POR ESTAR AHÍ

NO MOLESTAR (vídeo)

Gracias por estar ahí

UN DÍA PERFECTO

Hoy ha sido el día.  Acabo de ver esta película y no he podido evitar sentarme frente al ordenador para hablaros de ella y, por supuesto, recomendarla.

Un director con nombre propio e importantes antecedentes la avalan, dos especialmente simbólicos, "Princesas"(2005) y "Los lunes al sol" (2002). Para mí eso ya era reclamo suficiente para querer ver "Un día perfecto" pero si además protagonizan la historia Benicio del Toro y Tim Robbins las ganas se convierten en ansias.

Está ambientada en 1995 en medio de la guerra de los Balcanes. Los protaginistas interpretan a una serie de cooperantes de la ONU unidos por la ardua tarea de tener que sacar un cadáver humano de un pozo de agua potable para evitar epidemias entre la población de la zona.

La excusa de la trama es la retirada del cadáver y conseguir una cuerda con la que llevar a cabo la operación. Gracias a esa búsqueda los protagonistas nos mostrarán primero sus conflictos personales y después en un término aparentemente secundario los horrores de una guerra que, como todas, acarrea escasez, pobreza, lucha de intereses, miseria económica y humana en definitiva.

Pero que esta descripción no os lleve al equívoco, no es una película bélica, creo que no se oye ni un solo disparo en los 106 minutos que dura la cinta, Tampoco es un drama lacrimógeno y oscuro, todo lo contrario, Fernando León se vale de mucho humor para contarnos esta historia, humor negro quizás por las circunstancias pero humor al fin y al cabo.

Termina con una metáfora preciosa con la lluvia como protagonista que a mí personalmente me ha parecido que nos muestra la lluvia como elemento limpiador, como solución a todos los problemas, como elemento dador de vida, convirtiendo un día de lluvia en UN DÍA PERFECTO.

Los protagonistas son cercanos y sencillos. Forman una pandilla tan curiosa como encantadora y realmente te quedas con ganas de saber más sobre ellos.

Benicio interpreta a Mambrú, encargado de seguridad que va a terminar pronto su labor por esas tierras y que lo único que quiere es que el tiempo pase rápido y volver a su vida. Parece tener una dilatada experiencia y también parece haber visto demasiadas cosas.

Tim Robbins es B, un hombre que ha diferencia de Mambrú parece estar acostumbrado a esa vida, parece que no tiene sitio mejor al que volver y además parece que eso no le importa demasiado.

Los papeles femeninos están representados por Olga Kurylenko y Mélanie Thierry.

La primera parece ser que ya ha coincidido alguna vez con Mambrú y ambos guardan la complicidad y los reproches que acarrea una relación cuando no ha terminado bien.

La segunda es una novata sin mucha experiencia en ese tipo de trabajos, impresionable aunque segura de sí misma tendrá que enfrentarse a situaciones que la superan. Todos están genial.

La ambientación no puede estar más lograda y es curiosa la luz cegadora que lo inunda todo.

El director usa la cámara de forma caprichosa para regalarnos planos espectaculares como el contrapicado desde dentro del pozo que se convierte en icono de la película u otros planos desde ángulos imposibles o planos múltiples. Una delicia para el ojo.

Pero si visualmente es llamativa no lo es menos sonoramente. Creo que la banda sonora de la película es indescriptible por eso a continuación os dejaré una lista de algunos de los temas que se pueden escuchar porque creo que la música, una vez más se convierte en elemento protagonista sorprendiendo al espectador y motivándolo:

-Sweet Dreams (Marilyn Manson)

-Venus in furus (The velvet underground)

-East infection (Gogol Bordello)

-Evil Ways (Blues Saraceno)

-Where have all the flowers gone (Marlene Dietrich)

-There is no time (Lou Reed)

Os animo a escucharlas y a identificarlas dentro de la película. Si se me ha escapado alguna otra interesante podéis decírmelo en los comentarios.

GRACIAS POR LEERME

COMO SOBREVIVIR A UNA DESPEDIDA

No todo van a ser dramas en este blog, hoy os quiero recomendar una comedia para pasar un rato agradable, divertido, rememorar momentos de locura de esos en los que las preocupaciones se reducían a pensar en qué conjunto ponerte para salir.

"Como sobrevivir a una despedida" es una comedia española que dirige Manuela Moreno y que protagonizan Natalia de Molina, Úrsula Corberó, José Lamuño, Celia de Molina y María Hervás.

La podríamos definir como un "Resacón en las Vegas" a la española y más femenina que la película americana. La excusa de la historia es la despedida de soltera de Gisela para la que su mejor amiga organiza un viaje sorpresa a Gran Canaria donde pretenden disfrutar como cuando eran adolescentes, olvidarse de todas sus frustraciones de casi treinteañeras y recuperar el tiempo perdido.

Una vez allí nada sale como lo tenían planeado, como es de esperar la fiesta se les va un poco de las manos y en algún momento desearán que ese viaje nunca hubiera tenido lugar.

El valor de la película no va más allá de la risa fácil y la nostalgia pero aún así creo que es una comedia entretenida ideal para ver una tarde de verano entre amigas.

Aunque muchos la tilden de película vacía en la que se podría haber recurrido a la crítica social creo que para ver una película profunda hay muchos títulos a los que recurrir y creo igualmente que de vez en cuando hay que consumir cine como mero entretenimiento, para pasar un rato divertido y desconectar de los problemas del día a día. Cada tipo de película tiene su momento y para ésta es fácil encontrarlo.

Es, como puede entenderse, una comedia muy predecible, plagada de clichés típicos de las comedias americanas y con un punto hortera, pero pese a eso, las actrices aportan algo de calidad a una historia nada original. 

Es una película ideal para las chicas que vivimos los años noventa, imitando a las Spice Girls y leyendo la Super Pop. Toda una generación de mujeres que rondamos la treintena podemos sentirnos identificadas y pasar 90 minutos muy divertidos.

GRACIAS POR LEERME

DEL REVÉS (INSIDE OUT)

Como casi cada verano los estudios de Pixar nos traen una nueva película para animar la prácticamente apagada cartelera veraniega. Como siempre sus películas, sus historias y sus personajes están llenos de vitalidad, simpatía y originalidad.
El último lanzamiento se estrenaba en España el pasado viernes 17 de julio y su título a priori no nos deja muchas pistas sobre su contenido, "Del revés."

Se trata de la historia de una niña de doce años, Riley, que atraviesa un episodio algo traumático en su vida cuando se ve obligada a cambiar de ciudad cuando su padre consigue un nuevo empleo.
En realidad la película nos habla de como funcionan nuestras emociones, cómo nos guían en el tortuoso camino de la madurez y cómo influyen en nuestros actos.

Como siempre ocurre en las películas de esta productora los personajes están llenos de carisma, y más en este caso puesto que cada uno de los personajes son una emoción diferente (alegría, tristeza, ira...) y por tanto cada uno tiene una personalidad muy marcada en base a lo que son.

Como siempre, hay hueco para la risa, muchos "gags" divertidos pero también hay cabida para despertar nuestros más profundos sentimientos y emocionarnos a la vez que lo hacen los personajes.
Es un argumento muy ingenioso a través del cual podemos entender como es dejar de ser un niño y lo que ello conlleva; perder la imaginación propia de la infancia, la falta de vergüenza al hacer según qué cosas, vivir sin preocupaciones... De una forma muy original y divertida nos enseña lo que ocurre en nuestro interior en el momento en el que crecemos.

Es una de esas películas que esconde más de lo que enseña, invita a la reflexión sobre temas muy diversos por eso, como casi todas las películas de Pixar, es más para adultos que para niños, o mejor dicho, es diferente verla a través de los ojos de unos y de otros.

Tiene un guión tan ingenioso como elaborado, nada predecible, ni tampoco recurre al humor fácil. Transmite cierto halo de melancolía especialmente para los adultos que fácilmente nos podemos ver reflejados en ciertas actitudes rememorando esos años perdidos de amigos imaginarios y relojes de horas infinitas.

Y todo eso aderezado de una portentosa fuerza visual en la que prima un mundo abstracto de colores y formas.
No podéis dejar de verla porque dudo mucho que en lo que queda de año se haga una película más completa y además os recomiendo verla en cine para disfrutar igualmente con el original corto musical  que la precede.

Es un corto titulado "Lava" que pertenece a los mismos estudios. A ritmo de ukelele un volcán nos cuenta como envidia las parejas de animales que habitan a su alrededor y nos confiesa que a él también le gustaría tener a alguien a quien amar.
Es simplemente precioso, emotivo y espectacular. De los que ponen la piel de gallina. No podéis dejar de verlo.

GRACIAS POR LEERME

ST. VINCENT

Me gustaría hablaros de esta conmovedora historia disfrazada de comedia que se ha convertido en una de mis películas favoritas de los últimos años.

Melissa McCarthy representa a Maggie, una enfermera que tras descubrir las continuas infidelidades de su marido decide poner tierra de por medio y se traslada a un nuevo barrio con su hijo Oliver. Allí coincidirá con Vincent (Bill Murray) un huraño vecino, bebedor, jugador y un mal ejemplo en definitiva.  Por circunstancias diversas Vincent terminará siendo el canguro del niño y entre ellos se establecerá una relación muy especial.

Lo que me gusta de esta película y lo que la hace tan especial es su sencillez, propia del cine independiente americano que tanto me gusta personalmente. Tanto la historia como la plástica de la película no son algo novedoso pero al mismo tiempo sus protagonistas tienen tanto carisma que hacen de ésta una historia tan divertida como emotiva.

El sensacional reparto tiene mucha culpa de ello. Vamos a ver a Naomi Watts interpretando a una prostituta rusa embarazada. Naomi, que siempre se nos muestra como una mujer correcta y elegante nos descubre su lado más divertido metiéndose en una mujer mal hablada, ordinaria y en la que la dulzura y la sensibilidad brillan por su ausencia.

Sin embargo Melissa McCarthy, una actriz un poco encasillada en papeles cómicos se nos rebela aquí como una buena actriz dramática convirtiéndose en la más seria y sensata del grupo.

De Bill Murray poco podemos decir, el papel está hecho a su medida y tan solo Jack Nicholson o Jeff Bridges (si no se dedicara a hacer trabajos ridículos como "El séptimo hijo") podían haberse acercado a su magnífica interpretación. Lo más dificil de interpretar debe ser meterse en el papel de un hombre normal y hacer que nos lo creamos, él lo consigue y consigue además que lo queramos.

Junto al pequeño Oliver interpretado por Jaeden Lieberher, nos cuentan una historia de esas con moraleja en la que lo aparentemente sencillo esconde muchos aspectos críticos. En este caso el director y guionista parece tocar de soslayo el tema religioso pero en realidad todo gira en torno a la figura del santo en el catolicismo. Serán continuas las referencias a santos ya que Oliver estudia en un colegio católico pese a ser judío. Y la moraleja de la historia tiene mucho que ver con eso porque nos viene a decir que un santo no siempre tiene que ser políticamente correcto y podemos tener referentes válidos en personas que en un primer momento no parecen el mejor ejemplo a seguir.

Además de enseñarnos a no juzgar a las personas sin conocerlas realmente, esta película nos habla de amistad, de respeto y de tolerancia y todo eso aderezado con una banda sonora sensacional en la que vamos a escuchar reconocibles artistas como The National, Jefferson Airplane o Bob Dylan.

Aunque analizando la película de una forma objetiva puede ser algo irregular en cuanto a que tiene una primera parte más cómica y una segunda más melodramática con una transición entre ambas nada paulatina, tengo que decir que eso es lo menos importante porque ésta es una historia de las de percibir a través de los cinco sentidos, pero sobre todo con el corazón, realmente conmovedora y bonita. Se hacen muy pocas películas así a lo largo del año, de esas que te hacen pasar un buen rato y además te enseñan cosas, por eso no podéis dejar de verla.

GRACIAS POR LEERME

CRÓNICA: V FANTER FILM FESTIVAL

SEGUNDA PARTE...

PRIMERA PARTE...

MR. KAPLAN

Desde Uruguay y dirigida por Álvaro Brechner, nos llegaba en 2014 esta comedia con tintes dramáticos protagonizada por un personaje tan adorable como peculiar y ambientada en Montevideo en los años 90.

El casi octogenario Jacobo Kaplan comienza a tomar conciencia del paso de los años cuando un médico le retira el carné de conducir por incapacidad. Lo que él cree que es una injusticia soberana le sirve para ser espoleado hacia la búsqueda del proyecto más importante de su vida, demostrar que nunca se es demasiado mayor para hacer grandes cosas.

Encontrará su gran reto personal en la figura de un alemán. Un anciano que regenta un bar junto a la playa y que Jacobo se empeña en demostrar que es un oficial nazi que lleva años allí escondido desde que huyera de Europa con la caída del Tercer Reich.

Jacobo y su familia son judíos europeos que tuvieron que emigrar a Sudamérica en la Segunda Guerra Mundial para salvar sus vidas. Él, que llegó a aquellas tierras siendo un niño, ve ahora la oportunidad de engrandecer a la comunidad judía y para ello su intención será secuestrar al viejo alemán y llevarlo a Israel para que sea ajusticiado.

Todo ese plan lo llevará a cabo con un hombre de mediana edad, Wilson, cuyo padre había trabajado para la familia durante años y que ahora tras ser retirado de la policía se ve en paro y atravesando una situación familiar delicada. Aunque en un principio no entiende a Jacobo y todo eso le parece un disparate, termina tomando plena conciencia del asunto e involucrado al cien por cien.

Juntos forman una pareja realmente divertida puesto que a priori, son dos personas muy diferentes, por un lado el concienzudo y meticoloso Jacobo y por otro el despreocupado y borracho Wilson aunque, como suele pasar en estos casos, terminarán siendo inseparables.

Más allá de recuperar la dignidad para su pueblo, lo que en realidad busca Jacobo es no morir sin ser recordado. En realidad toda la trama del alemán sirve para poner el punto humorístico a un tema que en el fondo es muy triste y doloroso porque, tarde o temprano, la mayoría de nosotros pasaremos por esos momentos.
Lo que esta película nos cuenta es la historia de un hombre con miedo a desaparecer, más que al hecho de morir lo que Jacobo teme es no haber hecho nada importante en su vida, algo que a todos nos puede atormentar en algún momento determinado. Su momento llega cuando ya parece ser muy tarde para todo, puesto que a su edad no tiene el apoyo ni la confianza por parte de nadie y mucho menos de su familia.

Os recomiendo esta divertida y sentimental película que con una dirección y un guión sencillos nos deja anécdotas tan singulares como la imagen del octogenario saltando a una piscina sin saber nadar, sólo para demostrarle a sus amigos que saber nadar no es tan importante ya que, sabiendo o no, si tuviera que hacerlo lo haría por medio del instinto.

GRACIAS POR LEERME

PERDIENDO EL NORTE

Como se puede ver en el listado de géneros tratados en este blog (columna de la derecha en la versión web) sobresalen en gran número los dramas con respecto al resto de géneros y no es que yo sea una persona dramática, pero cinematográficamente hablando sí es mi género favorito. No es que me guste especialmente pasarlo mal cuando veo una película, lo que busco es emocionarme y casualmente donde más obtengo ese resultado es con los dramas. Es mucho más sencillo hacer llorar que hacer reír, igual que es muy difícil encontrar una película que te sorprenda o que realmente te asuste si hablamos de terror.
Para mí es una tarea muy compleja reírme a carcajadas con una película. Puedo pasar un buen rato, divertirme, que la película me satisfaga, pero reírme de verdad con muy pocas lo he conseguido.

Ayer fui a ver "Perdiendo el Norte" lo nuevo de Nacho G.Velilla el director de otras comedias como "Que se mueran los feos" o "Fuera de carta" y que según he leído en algún medio podía ser la "8 apellidos vascos" de este año. Sinceramente no creo que alcance la recaudación de aquella porque lo de "8 apellidos vascos" fue un fenómeno que reunió muchos factores diferentes y que esta película no tiene.

"Perdiendo el Norte" es una comedia con un punto de denuncia social, con mucho humor eso sí. Nos cuenta la historia que muchos jóvenes están viviendo en este país por culpa de la crisis, la generación mejor preparada de todos los tiempos se ve obligada a emigrar como lo hicieran sus abuelos en la posguerra por falta de oportunidades laborales. Nos habla concretamente de "el sueño alemán" que dos jóvenes emprenden emigrando a Berlín esperando encontrar el trabajo para el que tanto se han preparado. En este caso es Alemania pero bien podríamos ambientarlo en cualquier otra ciudad europea. Lo cierto es que cuando los jóvenes llegan en busca de una vida mejor se dan cuenta que ese "sueño" no lo era tanto y que fuera de España no hay oportunidades mucho mejores a las que podemos tener aquí.

Esos dos jóvenes son Hugo y Braulio, interpretados por Yon González y Julián López. En su llegada a Berlín convivirán con toda una colonia de españoles que antes o después han llegado allí buscando lo mismo que ellos, prosperar en la vida. Podemos ver caras muy conocidas como Blanca Suárez, José Sacristán, Malena Alterio o Miki Esparbé.

Lo cierto es que esta comedia nos puede recordar a otras como "Fuga de cerebros" aunque profundice en temas más actuales y tocando la fibra social en algún momento con temas como desahucios, paro, corrupción... o también haciendo hincapié en aspectos más serios de la emigración aunque camuflados entre chistes como es la necesidad de hacer ver a tus seres queridos, a los de tu entorno, que has conseguido cosas importantes,la necesidad de aparentar que todo el esfuerzo ha valido la pena y que el salir de tu país ha tenido una gran recompensa, aunque la realidad sea muy diferente.

Tiene una primera parte algo floja, dejando lo realmente divertido para el final y casi siempre de la mano del personaje de Julián López que como siempre, está muy gracioso y natural en su papel.

En cuanto a los protagonistas, Blanca Suárez y Yon González, me han parecido actuaciones muy forzadas, ayudadas por las escenas "cliché" que hemos visto en multitud de comedias románticas y con un guión algo débil.

En definitiva creo que es una película donde destacan los secundarios. Todo un acierto por parte del director volver a contar con la pareja formada por Carmen Machi y Javier Cámara porque aunque hacen papeles escuetos llenan la pantalla y son dos de los personajes más carismáticos. También es divertido ver caras populares haciendo apariciones puntuales como el cocinero Alberto Chicote o el presentador Arturo Valls.

Es realmente divertida en su parte final dejándote un muy buen sabor de boca por ello, pero creo que no es una comedia revelación ni mucho menos, si no, más bien una forma divertida de mostrarnos una realidad social como es la emigración juvenil a través de una comedia romántica no demasiado atrevida.

La recomiendo mucho como lo que es, una película de entretenimiento, apta para todos los públicos con un humor sano y popular con el que todos nos podemos identificar.

GRACIAS POR LEERME

RELATOS SALVAJES

Damián Szifron es el joven director argentino que está detrás de esta exitosa película. Ha trabajado para televisión y también ha realizado varios largometrajes pero "Relatos Salvajes" es la obra que lo ha puesto en el mapa cinematográfico internacional, llevándolo incluso a la carrera por el Oscar como mejor película de habla no inglesa, que finalmente ganaría la polaca "Ida".

Se trata de una película compuesta por seis cortos de unos veinte minutos cada uno. Las historias no están relacionadas entre sí, lo que las une es el tema y la forma.
Nos habla de los instintos más primarios del ser humano y cómo, por muy civilizados que seamos como sociedad, si somos llevados al límite, esos instintos afloran haciéndonos retroceder milenios de evolución. Haciendo gala al título, nos habla del lado más "salvaje" del ser humano.

Es curioso como todo ese salvajismo extremo, esa violencia irracional se puede convertir en algo cómico visto desde fuera. En algunos de los relatos, el absurdo de la situación se convierte en algo realmente divertido; los diálogos, las reacciones, las consecuencias... convierten el drama en una comedia muy oscura.

Como digo, lo que une cada uno de los seis relatos es el tema, pero también la forma. Se nota la mano del director y cómo ha querido que el nexo de unión entre las historias se perciba por todos los sentidos. Se puede ver en la fotografía, en el tipo de planos, en el encuadre, en la luz, casi siempre tenue. Y algo muy especial con lo que juega en cada una de las historias es con la música, tiene gran importancia.

La música aparece en cada uno de los relatos en el momento de locura, una música muy bien elegida, compuesta por Gustavo Santaolalla, ganador de dos Oscars por la banda sonora de "Brokeback Mountain" y por la de "Babel".

En cuanto a los actores vamos a reconocer caras internacionales como Ricardo Darín pero todo el reparto está compuesto por actores de una larga trayectoria profesional como  Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Oscar Martínez, Rita Cortese o Darío Grandinetti,

Me gustaría destacar el relato titulado "Bombita" que es el protagonizado por Ricardo Darín, actor por el que siento devoción, y que me parece uno de los más divertidos. Y también destacar el que me ha parecido más completo, con el que termina la película que es el titulado "Hasta que la muerte nos separe" protagonizado por una fantástica Érica Rivas.

Cada relato, cada historia es grande en sí misma pero lo que hace grande a esta película es el hecho de haberlas puesto en conjunto. Me ha parecido una obra de gran originalidad, muy pasional, llena de verdad y que habla de la parte que menos nos gusta ver de nosotros mismos y sin embargo con la que todos nos podemos sentir identificados.

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BIRDMAN: La inesperada virtud de la ignorancia

El cine no está muerto, aún queda mucho por hacer, muchos temas por representar y multitud de formas de interpretarlos.

La fama cuesta pero, cuando digo fama no sólo me refiero al hecho de ser famoso, si no fama como reconocimiento y valoración por parte de la sociedad.
Creo que todos estamos programados desde nuestra infancia para intentar destacar, ya sea por una aptitud innata o para llegar a conseguir ser reconocidos por nuestro trabajo o por lo que logramos tener o hacer a lo largo de nuestra vida. Lo que quiero decir es que la gran mayoría de personas nos movemos por el interés de destacar, de hacer sentir a los que nos rodean, a nuestra familia o al vecino, que somos alguien importante y que hemos conseguido grandes cosas. Pero llega un momento en el que te das cuenta que no todos podemos ser grandes triunfadores. Para que haya genios debe haber mediocres y en ese grupo es donde la gran mayoría estamos condenados a permanecer.

Llegados a este punto podemos conformarnos, consolarnos pensando que siempre hay alguien peor o podemos seguir intentando destacar de la multitud, buscando una aceptación que nunca va a ser suficiente hasta que no nos aceptemos nosotros mismos tal y como somos. Puesto que lo que consigamos en la vida nunca va a ser suficiente para conformar a ese "monstruo" que todos tenemos dentro  y que podemos llamar "gusto por agradar".

Seguro que dentro de la psicología hay algún término para difinir todo ésto pero yo lo desconozco y no me voy a preocupar ahora de buscarlo. Lo cierto es que eso es lo que nos cuenta la película de la que os quiero hablar "Birdman" lo último del mexicano Alejandro González Iñárritu que después de realizar grandes dramas como "Babel", "21gramos" o "Amores perros" ha decidido acercarnos a la comedia negra, con tintes dramáticos, eso sí, y sin perder su esencia como director.

Creo que las películas de Iñárritu se caracterizan por remover conciencias, por ir un paso más allá al invitarnos a la reflexión sobre los grandes temas de la humanidad. Otra cosa que caracteriza a sus películas es la factura tan personal y delicada con que las realiza y sirviéndose siempre de un elenco tan respetado como talentoso cerciorándose así  de que sus grandes historias serán bien interpretadas y llamarán la atención del gran público cosa que de usar actores menos conocidos no sería una tarea fácil ya que su cine no es el más comercial.

Para "Birdman" ha rescatado al gran Michael Keaton de la ensoñación que atravesara su carrera desde los años 80 y 90 cuando alcanzó la cúspide interpretando a Bitelchus y a Batman.

Interpreta ahora un papel que bien podía ser biográfico y seguro que así lo pensó Keaton al leer el guión. Se trata de un actor maduro que alcanzó la fama tras interpretar a un superhéroe, papel en el que ha quedado encasillado. Sus ansias por volver a destacar, por demostrar que es un gran actor más allá de ese personaje lo llevan a adaptar y producir su propia función de teatro en Brodway la cual protagoniza.

Su personaje está trastornado, y podemos ver en él casi una doble personalidad. Por un lado su realidad, la de un actor que quiere trabajar y reconducir su carrera, y por otro la de su cabeza que está manipulada por ese personaje, un pájaro humanoide que, como si de su consciencia se tratara, no para de atormentarlo recordándole que no vale para interpretar nada que no sea a ese superhéroe que años atrás le había dado la fama.

Vamos a ver varias escenas en las que el surrealismo se hace latente y en las que el director juega con ambas realidades, así entenderemos como el protagonista se siente y serán continuas las metáforas que aluden al ansia de libertad, de volar, de deshacerse del lastre que supone ser reconocido por un único personaje.

Junto a él en dicha obra de teatro cuenta con Naomi Watts un valor seguro que ya había trabajado con el director, En este caso su personaje no es el más determinante pero ella, como siempre, está soberbia, así como a un demasiado serio Zach Galifianakis.

Papel mucho más relevante es el interpretado por Edward Norton, el alter ego del protagonista. Interpreta a un actor muy respetado por la crítica, que prácticamente convierte en oro todo lo que toca y que aterriza en la obra de teatro como revulsivo para atraer al público y dar también un plus de calidad a la misma.

Norton y Keaton nos darán momentos bastantes cómicos tanto juntos como por separado y el personaje de Norton es el que saca lo peor de nuestro protagonista, quizás porque envidia su éxito o quizás porque lo vea inmerecido, quizás porque entiende que va a restarle el protagonismo que en definitiva anda buscando.

La otra cara conocida es Emma Stone, interpreta a la hija de Keaton, una joven que ha pasado por rehabilitación por diversas adicciones y que ahora es ayudante de su padre más por estar entretenida que por vocación. En realidad creo que el personaje de Emma busca la aceptación de su padre igual que éste busca la aceptación del público. Creo que no ha recibido el suficiente cariño ni la atención que una hija necesita, de ahí su relación con las drogas y su acercamiento profesional al padre. Sin embargo ni lo uno ni lo otro le sirve para ganar su atención.

Me ha gustado mucho la factura de la película, la ambientación casi asfixiante llena de recorridos por estrechos y oscuros pasillos que te zambullen en la sensación, o así lo entiendo yo, del protagonista. Tansmite agobio y ganas de huir. Me ha gustado mucho el juego de cámara usando mucho plano secuencia, y me ha gustado mucho la historia y como nos la ha contado, sin embargo he echado en falta más humor, negro pero humor al fin y al cabo, y también un final más concluyente  pero sin duda me parece una buena película en la que prima la creatividad y la originalidad, algo muy escaso en el cine actual, recomendada eso sí a los que gusten de analizar las historias, de buscar más allá y de ahondar en los personajes.

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CARMINA Y AMEN

Me gusta mucho el juego entre realidad y ficción que Paco León se trae en su ópera prima "Carmina o revienta" y que continúa en esta segunda parte "Carmina y amén".

Son películas sencillas cuya grandeza recae en la arrolladora personalidad de su protagonista, Carmina Barrios.
Me ha gustado mucho que mantenga la estética simplista de la primera entrega, su juego entre luces y sombras, esas conversaciones de mesa camilla y la sencillez en los juegos de planos. Pese a contar esta vez con un presupuesto mayor no ha perdido esa sencillez y calidez, esa familiaridad de la primera.

En esta segunda parte hay más riqueza en el guión, me ha parecido más profundo y detallista. La protagonista se nos muestra ahora más humana bajo esa fachada de mujer fuerte, matriarca que puede con todo, temperamental y a veces malhablada. Muestra en esta película un corazón enorme y una generosidad infinita.
Esa generosidad va más allá de lo material, la demuestra en su forma de escuchar a los demás y en su forma de actuar ante la vida. Superficialmente puede parecer que piensa en ella misma pero a medida que la historia avanza se puede ver que todo lo que hace es pensando en los que la rodean. Tal vez sus formas no sean las más adecuadas pero quizás el fin justifique los medios.

Hay un diálogo fabuloso que mantiene la protagonista con su vecina. Una vecina con un hijo discapacitado que se queja amargamente y que se confiesa incapaz de seguir adelante. Mientras la mujer se desahoga Carmina la escucha casi sin pronunciarse.Yo entiendo que no sólo se está compadeciendo de la mujer, no la juzga, la comprende más de lo que se puede imaginar, pensando tal vez que ella misma en una situación similar actuaría de igual manera.

Creo que lo que hace grande esta cinta y a su predecesora es la verdad que hay en los personajes. No sé, porque el director nunca lo deja claro, hasta qué punto son producto de su imaginación, pero eso como decía al principio, también le da cierto encanto.
Me gustaría destacar la actuación de Yolanda Ramos, interpreta un personaje que no es determinante en la trama, ni mucho menos, pero me ha parecido una interpretación perfecta. Me ha sorprendido.

Otro personaje que me ha encantado volver a ver es a la amiga de Carmina que alardea de su relación con la realeza. Me parece un personaje divertidísimo y los minutos en los que aparece, tanto la actriz que la interpreta como el resto de actores que la acompañan en escena hacen un trabajo extraordinario, cargado de mímica muy sutil pero muy real. Una de las partes más divertidas.

En cuanto a María León como siempre bárbara, desde que la conociéramos en "La voz dormida" tengo predilección por ella. Me gusta. El director nos la muestra casi como una fotocopia de su madre en algunos gestos y poses, tal vez queriendo que el espectador la vea como sucesora de la matriarca.

Como en la anterior entrega no se dejan de lado las situaciones cotidianas cargadas de humor, en este caso un humor más negro traído por las circunstancias pero nunca un humor forzado, no es rebuscado. Demuestra Paco León que otro tipo de comedia es posible, que no hace falta recurrir al chiste fácil o grosero para hacer reír.

La cercanía  y naturalidad de Carmina Barrios acrescenta la incógnita entre realidad y ficción. Me dará mucha pena si, como se deja entrever, no nos sigue acercando sus anécdotas.
Me cae bien esta familia, me gusta mucho el Paco León director aunque también me gustaría verlo jugando fuera de casa, al frente de algún proyecto diferente.

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EL GRAN HOTEL BUDAPEST

Cuánta temeridad me produce cuando se presenta el cartel de una película cuajado de nombres de actores importantes. Me pasa, porque normalmente eso te crea unas expectativas tales que pocas veces llegan a saciarse completamente. Un ejemplo con la que me pasó hace poco y cuyo título es perfecto para ilustrar la sensación que me dejó como espectadora es "La gran estafa americana".

Al anunciarse la última película de Wes Andersen las ganas de verla decrecían a medida que descubría un nuevo y rimbombante nombre dentro del reparto, sin embargo "El gran hotel Budapest" cumple las expectativas.

Destacan actores como Saorise Ronan, Edward Norton, Willen Dafoe, Jude Law, Adrien Brody, Bill Murray, Owen Wilson o Lea Seydoux, cuya importancia en la película se reduce a unas pocas escenas, muchos de ellos hacen papeles muy secundarios pero su aceptación a la hora de participar en la película se entiende muy bien puesto que se trata de una película exquisita de esas que no se repiten en años.

"El gran hotel Budapest" es una comedia disparatada, inteligente y con personajes esperpénticos, llena de detalles mayúsculos tanto estéticamente como en su cuidado guión. Ningún personaje es azaroso, ningún chascarrillo forzado, una auténtica delicia para los sentidos que en algún punto me recordó a la francesa "Amelie", por la forma de contar la historia, por la ambientación visualmente muy cuidada y con un "punto animado", por el carisma de sus personajes, su manera de actuar y comportarse y hasta por la forma de moverse.

Me gustaría destacar los dos personajes protagonistas, interpretados por Ralph Finnes y Tony Revolori que dan vida al maestro y el aprendiz respectivamente. El primero es muy refinado y perfeccionista, un avispado aunque a veces inocente recepcionista con una personalidad desbordante, que cautiva y se deja cautivar por mujeres de avanzada edad pese a su visible amaneramiento. 

El otro es un joven y leal muchacho acostumbrado a sobrevivir como si del Lazarillo de Tormes se tratara, es un pícaro dispuesto a aprenderlo todo de la mano de su maestro.
Juntos se embarcan en una aventura surrealista a través de la cual se van cruzando con los diferentes y peculiares personajes.

Es una película excéntrica, rocambolesca en algún momento, pero fresca y muy audaz. Como el diseño del propio hotel es pintoresca y recargada, los colores son brillantes y la inundan de una estética muy personal. Es ésta una de esas películas que hay que ver dos veces porque la primera su preciosura visual no deja que te des cuenta del guión tan inteligente que tiene.

El director cuida y mide cada plano al milímetro, nada en ella es casual, creando en el espectador la imperiosa necesidad de tener cien ojos con los que no perder ni el más mínimo detalle.

Si en otras ocasiones he hablado del llamado "cine dentro del cine" (lo que se puede contar como un género propiamente) en este caso podemos hablar de "historia dentro de la historia". Es "El Gran Hotel Budapest" una película hecha a capas en la que la primera es muy fina, una brevísima introducción y cuyo grueso lo lleva una segunda capa, en este caso la historia que el protagonista está contando, su historia.

Aunque en un principio pueda costar entenderla, es algo muy fugaz. Basta con seguir pendiente de la historia unos pocos minutos para adentrarte en ella como un personaje más.
Sin duda es de las que deja una sonrisa en los labios pese a contar una historia muy tierna desde la más profunda nostalgia.

La recomiendo a aquellos espectadores exigentes, que busquen una comedia especial, inusual y realmente divertida, dispuestos a valorar una escenografía de gran nivel, estéticamente exquisita y con un guión alejado totalmente del burdo chiste fácil de las comedias más habituales.

GRACIAS POR LEERME