EL RENACIDO (The Revenant)

Hace unos días fui al cine a ver "El Renacido" porque es una de esas películas que hay que ver en el cine y punto.

Llevo oyendo hablar de esta película desde que se estaba rodando y teniendo en cuenta que el rodaje duró nueve meses y además después hay que añadir el tiempo de montaje y postproducción hasta su estreno, quiere decir que hace mucho que llevo escuchando cosas sobre esta película.

Se le ha dado publicidad prácticamente desde sus inicios porque en ella se une el director más premiado de los últimos años Alejandro González Iñárritu y el actor, me atrevería a decir que, más destacado del siglo.
Iñárritu arrasó el año pasado con su película "Birdman" y prácticamente no había terminado la temporada de festivales y entrega de premios cuando ya se hablaba de su siguiente proyecto donde trabajaría con DiCaprio quien denegó la oferta de interpretar a Steve Jobs (papel que luego caería en manos de Michael Fassbender) para trabajar en esta historia basada en hechos reales.

Para mí se crearon muchas expectativas, o como se dice ahora en "lenguaje moderno" me crearon "hype"desde el primer momento. Tengo que admitir que siento fe ciega en el trabajo de DiCaprio y con los años, no voy a descubrir nada nuevo si digo que, se ha convertido en uno de los mejores, si no el mejor, actor de su generación y además de eso Iñárritu también es un director que me gusta mucho, todo lo que he visto de él (que  ha sido casi todo) me ha parecido innovador, original, aporta una experiencia al espectador, muchas veces  sus historias son un reto para el intelecto y además creo que  sabe elegir muy bien a los protagonistas de sus historias.

Creo que Iñárritu todavía no ha desarrollado un estilo propio, ese que con sólo ver un par de fotogramas identificas en el acto como suyo, pero creo que todas sus películas se parecen en cuanto a su gran factura, en lo innovador y en despertar el subconsciente dormido de los espectadores.

"El Renacido" creo que no es su mejor película intelectualmente hablando, no es de esas historias en las que tienes que rebuscar para entender lo que quieren contarte; sin embargo creo que sí es su mejor película técnicamente.

Habréis leído en infinidad de titulares que esta película es una delicia visual, pues os tengo que decir que aquí también lo vais a leer. Ir a ver "El Renacido" es vivir una explosión visual de sensaciones, una explosión de naturaleza mostrada de forma impoluta.
Juega con planos imposibles, crea imágenes grandilocuentes en un paisaje que por sí mismo ya lo es pero  que consigue acentuar.
Usa la cámara hasta meterla casi dentro del actor consiguiendo que el espectador se traslade al interior de la escena, eso me ha parecido genial, deja que la cámara se empañe con el aliento del protagonista para transmitir esa calidez del "último aliento"; si una mancha de sangre golpea el objetivo la deje ahí durante toda la escena. Creo que todo eso llena de realismo una historia que en algún momento puede resultar algo exagerada.

Pero tras toda esta parrafada he de decir que no pretendo analizar la película ni contarla si no haceros partícipes de la reflexión a la que he llegado con ella, aunque pensándolo bien creo que cada año por estas fechas llego a la misma conclusión incluso quizás ya lo haya contado en algún otro post.

Estamos a primeros de año, es época de entrega de premios, suele suceder que la lista de nominados incluso algunas entregas de premios se hacen incluso antes de que  las películas llegan a estrenarse aquí en España, por eso se nos crean tales expectativas basadas en dichos premios que nos hacen querer ir a verlas en cuanto se estrenan.

Una parte del público, entre los que me incluyo, creo que las veríamos de todos modos, más tarde o más temprano, por el director, el reparto o la historia, pero tengo que admitir que en mi caso el palmares que la cinta tenga detrás  me anima a verla en cuanto se estrena.

Luego hay otro tipo de espectadores, los que no saben quien es Iñárritu, desconocen su forma de trabajar,  que a DiCaprio no lo ven desde que hiciera "Titanic" y que se acercan al cine a ver esta película porque escuchan hablar de ella hasta en la sopa y eso les crea expectación ¿qué ocurre entonces? pues que los primeros pueden formarse una opinión objetiva: basándose en la forma de trabajar, en la estética, en la imagen, en la fotografía, en las interpretaciones...y en base a eso formarse también una opinión subjetiva, pero luego están los segundos. La gran mayoría que va al cine esperando ver algo que les entusiasme y quizás esa clase de espectadores no saben que Iñárritu es un director de sentimientos, que no hace películas de acción, que sus pelis suelen ser largas y más reflexivas que activas.

Ahí es a donde quiero llegar, todas las entregas de premios, nominaciones etc. Tienen un doble filo. Por un lado son una importante estrategia de marketing, dan a conocer al público historias que de otro modo no les llamarían la atención. Crean expectación sobre los nuevos estrenos pero la otra cara de todo ésto es que el gran público no tiene en cuenta que las pelis que protagonizan estos premios no suelen ser comerciales, para elegir los premiados y nominados suelen tenerse en cuenta aspectos técnicos, sensoriales, diálogos, fotografía, vestuario, originalidad en el guión, que aporte cosas nuevas... aspectos que curiosamente definen el cine de Iñárritu como antes he subrayado y que lo hacen estar al pie del cañón en cada premio de cine con cada nuevo trabajo que presenta. Pero hay que admitir que a muchos espectadores no les engancha porque no saben o no les interesa apreciar esas características en una película y al fin y al cabo buscan el puro entretenimiento sin más cuando se sientan ante una pantalla.
¿Cual es la conclusión final? pues que si vas a ver una película basándote en sus nominaciones a los Oscars o a cualquier otro premio tengas en cuenta que no vas a ver una película sencilla. Intenta buscar eso que la hace merecedora de su fama, intenta apreciar la labor técnica que hay detrás e intenta ser objetivo y después de eso forma tu propia opinión.

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EVEREST (vídeo)

Muchas de las películas que veo no las comparto en este blog porque no me resultan lo suficientemente inspiradoras como para escribir sobre ellas, por eso he decidido que ese tipo de películas las compartiré en forma de vídeo crítica a través de mi canal de youtube.

GRACIAS POR ESTAR AHÍ

VIAJE HACIA NUESTRO INTERIOR

Podríamos hacer un símil entre cine y viajes, al fin y al cabo cuando te sientas delante de una pantalla es como emprender un viaje a través de una historia, a través de unos personajes que tienen algo que contarnos, unas veces para hacernos reír y pasar un buen rato, otras veces para hacer que algo se mueva dentro de nosotros e invitarnos a pensar en cosas distintas o en las mismas cosas de siempre pero desde otro punto de vista.
El cine y los viajes van unidos porque ambos nos enseñan, nos divierten o nos asustan pero de ambos podemos extraer enseñanzas.
Hago toda esta reflexión como introducción para hablaros de un tipo de películas que engloban un género en sí mismas. Son las películas sobre viajes y como dentro de ese abanico cabe desde una "road movie" a una película sobre vacaciones y desenfreno quiero especificar un poco más hablando o haciendo hincapié en aquellos viajes en los que el protagonista no sólo hace un viaje físico si no también espiritual puesto que, aunque no fuera su intención primera, termina haciendo un viaje hacia su propio interior sirviéndole para conocerse a sí mismo y entendiendo así la esencia de la vida.

Quizás sea una idea bastante utópica pero yo creo que todos nos hemos planteado en un momento de nuestras vidas hacer algo así, luego las circunstancias de cada uno pueden o no llevarnos si quiera a intentarlo.

Me gustaría ejemplificar ésto con unos cuantos títulos, hay muchos más pero no se puede poner todo, por eso he elegido unas cuantas películas que para mí narran muy bien esa idea de búsqueda de identidad del individuo.

La primera que os quiero citar en una película que vi hace poco tiempo y que fue la que me dio la idea de escribir este post, se llama "Héctor y el secreto de la felicidad". Es una película de Reino Unido estrenada en 2014 dirigida por Peter Chelsom, director de grandes comedias románticas como "Serendipity" o "¿Bailamos?".

Esta película nos cuenta la historia de un psiquiatra de éxito, con una vida muy cómoda que un día decide preguntarle a sus pacientes, a los que le rodean y a sí mismo si son felices dándose cuenta así de que tiene que encontrar el secreto que se esconde detrás de la felicidad y para eso tiene que salir de su zona de confort, de su ciudad, su país y alejarse de sus seres queridos. Emprende un viaje que le lleva a Asia y a África. Más que el secreto de la felicidad Héctor aprenderá a valorar lo que tiene y a disfrutar de la vida.
Aunque cinematográficamente no es una obra de arte, esta película refleja bien el ejemplo de películas a las que me refiero puesto que la lectura y el mensaje que aporta es un canto al positivismo y a la alegría de vivir, quizás algo edulcorado y como digo, utópico, pero un mensaje bonito al fin y al cabo.

 Otro ejemplo es "La vida secreta de Walter Mitty", de esta película hice una entrada en su momento que podéis leer aquí, En este caso el protagonista no decide libremente emprender un viaje si no que se ve empujado por las circunstancias de su trabajo y aunque en un primer momento no le apetece demasiado embarcarse en una aventura así, termina siendo el punto de inflexión en su hasta entonces vida gris y monótona, para entender que la vida es algo más que rutina y trabajo y que si tú decides cambiar, el mundo cambiará contigo porque somos nosotros mismos los dueños de nuestro destino.

De nuevo una visión positivista y casi idealista de la vida pero que en realidad esconde un mensaje precioso y vitalista que todos deberíamos tener en cuenta cuando todo se nos pone cuesta arriba y somos incapaces de encontrar la motivación necesaria para seguir adelante.

Una película que me gustó especialmente y me sorprendió gratamente es "The Way" (2010) protagonizada por Martin Sheen y dirigida por Emilio Estévez nos cuenta la historia de un padre que se entera que su hijo ha muerto recorriendo el Camino de Santiago y decide terminarlo por él aunque la relación entre ambos no era la mejor.

Es una película preciosa en su contexto y en su forma pero también en su fondo puesto que vemos la evolución de su protagonista, un hombre solitario y encerrado en sí mismo que poco a poco y a medida que avanza en el Camino va avanzando también en ese encuentro consigo mismo y con la esencia de la vida.
Igual que las anteriores es obvia e idealista pero toda una historia de motivación y auto ayuda para los que no encuentran el rumbo hacia la felicidad.

Del mismo año que la anterior es "Come, reza, ama" protagonizada por Julia Roberts. En esta ocasión la protaginista decide emprender ese viaje y el fin es encontrarse con ella misma tras varias decepciones amorosas. Una película para los sentidos que nos habla del renacer espiritual y de las cadenas que el hecho de vivir en pareja nos impone a la hora de vivir y experimentar.
Lo cierto es que personalmente me pareció una película aburrida y los protagonistas no son demasiado creíbles pero me quedo con el mensaje que pretende transmitir.

La mejor de todas las que os puedo hablar es "Hacia rutas salvajes" (2007) bajo la dirección del maravilloso Sean Penn, La historia de un joven que decide cambiarse el nombre y dejar todas sus posesiones a la beneficencia para emprender un viaje por Alaska que le haga reencontrarse con la naturaleza y encontrarse a sí mismo.

Con una banda sonora y fotografía preciosa y con mucho sentimiento es una película que no hay que dejar de ver puesto que es de las que llega al corazón hablándonos de la vida y de la muerte, de las relaciones humanas, especialmente paterno filiales y del dualismo naturaleza-civilización.

Si algo tienen en común todas estas historias es el hecho de que sus protagonistas son personas acomodadas, de buena posición económica y social, personas cultas que parece que lo tienen todo pero que en realidad están vacías y por tanto no son felices plenamente porque pese a sus posesiones materiales, su experiencia vital es casi nula.
A esto me refiero con que son historias utópicas. Las personas normales no podemos dejarlo todo en un momento dado y ponernos a recorrer el mundo en busca de la esencia vital pero sí podemos adaptar el mensaje de estas historias a nuestra vida cotidiana, es decir, cambiar algo en nuestra rutina diaria, algo que no parezca importante como sonreír más o dejar de usar frases negativas. Pensar en el lado bueno de las cosas antes de martirizarnos con el aspecto negativo, todo eso es un pequeño paso para nosotros pero toda una maratón para nuestro espíritu que terminará de una forma u otra reconfortado.

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LA TEORÍA DEL TODO

Desde que se supieron los candidatos a mejor actor en la pasada edición de los Oscars sabía, sin haber visto la película, que Eddie Redmayne tenía casi todas las papeletas para hacerse con el premio. Podía vaticinarlo porque los académicos son muy dados a premiar este tipo de papeles en los que se interpreta a personas con algún tipo de enfermedad rara, discapacidad o cosas por el estilo.

Pero tengo que admitir que, una vez vista "La teoría del todo", pocas veces un Óscar a mejor actor ha sido tan merecido.

Se trata de un biopic que nos cuenta una parte de la vida del físico Stephen Hawking. En concreto nos habla de la etapa en que conoció a Jane, su primera mujer, mientras estudiaban en Cambridge coincidiendo con el despertar de su enfermedad y la historia se alargará hasta 25 años después.
A diferencia de otras películas biográficas tiene un ritmo estupendo en parte debido a que no llega a los 120 minutos de metraje.

Se puede decir que el tema principal de la película es Stephen y su enfermedad pero para mí lo más importante de la historia es Jane, haciendo apología de la célebre frase "detrás de un gran hombre siempre hay una gran mujer" me parece que la historia de esta pareja es el mejor ejemplo de eso.

Jane es una mujer muy fuerte, tremendamente generosa, no creo que haya sido la primera ni será la última mujer que abandone sus sueños por el cuidado de su familia pero en este caso es notable porque ella es la que realmente hace fuerte a Stephen, gracias a ella él sigue adelante cuando le diagnostican su enfermedad y cuando le predicen tan sólo dos años de vida. No sólo eso, juntos forman una familia con tres hijos, superando todo obstáculo y además le ayuda a sacar adelante sus teorías y trabajos pese a la falta de comunicación verbal que progresivamente va padeciendo el científico.

El papel de Jane lo interpreta una perfecta Felicity Jones. Me gusta mucho lo que transmite con sus gestos, su mirada es de las más expresivas y sobre todo, lo que representa su personaje.

En cuanto a Eddie, el mejor calificativo que puedo usar es el de impresionante. Impresionante el trabajo interpretativo y también el trabajo corporal. Cómo adapta y mueve su cuerpo, para eso no es posible usar maquillaje, sólo se consigue con mucho trabajo y estudio. Interpreta a un Stephen desgarbado primero y al que la enfermedad neuronal  le va agarrotando los músculos poco a poco privándolo de movilidad y terminando por recluirlo en una silla de ruedas.
Hay momentos en los que Stephen se compadece de sí mismo pero son los menos, en general aborda la vida con una gran sentido del humor. También la sonrisa de Eddie llena la pantalla.

La dirección de la cinta es muy limpia, con unos escenarios muy cuidados, así como el vestuario. Me encanta el guiño que se hace en los últimos minutos con un momento determinado de la película en que Jane y Stephen conversan sobre la teoría del tiempo, y así vemos como la película termina con un resúmen marcha atrás de los momentos más decisivos para llegar al momento en que la pareja cruza sus miradas por primera vez, entendiendo ese momento como el principio del tiempo que han vivido juntos.

Me parece ésta una película que habla de amor; por un lado de amor pasional entre un hombre y una mujer que, apoyándose en ese amor mutuo, pueden hacer frente a todos los pormenores de la vida. Pero también es una película de amor propio; el amor propio de una mujer que es capaz de renunciar a vivir su vida, sin pedir nada a cambio, volcándose en la persona que quiere y a la que ha elegido como compañera. También el amor propio del protagonista que no se abandona cuando le pronostican sólo 2 años de vida, que hace frente a la enfermedad, que sigue apostando por sus estudios y añade a eso formar una familia y disfrutar de ella.

Con todo eso, la moraleja de esta optimista aunque triste historia es que "mientras hay vida hay esperanza" y por eso no debemos encerrarnos en la parte negativa de las cosas, si no aferrarnos siempre a lo bueno, por muy pequeño que sea.

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DALLAS BUYERS CLUB

Jean-Marc Vallée, director de "Café de Flore" , nos trae este controvertido biopic con un anti héroe como protagonista.
"Dallas Buyers Club" o "El club de compradores de Dallas" nos cuenta la historia de Ron Woodroof un texano de vida libertina, homófobo e insensible que se pasa el día en los rodeos, drogándose y manteniendo relaciones sexuales.

La vida de Woodroof cambia totalmente cuando le diagnostican SIDA y le dan 30 días de vida. Ambientada a finales de los años 80´cuando el tratamiento para la enfermedad se resumía en un medicamento tóxico llamado AZT, Woodroof lejos de quedarse de brazos cruzados esperando a que le llegara su hora decide investigar por su cuenta llegando así a la conclusión de que hay otros medicamentos para paliar los síntomas. Comenzará a recorrer el mundo para hacerse con ellos y venderlos en los EEUU donde no están aceptados legalmente. Para la distribución contará con la ayuda del travesti Rayon.

El tema de la película no es sólo la enfermedad. Nos habla de un hombre al que dan por muerto y consigue renacer, un anti héroe que, aunque no de la manera mas ortodoxa, consigue lucrarse y sacar provecho de una situación con las mínimas posibilidades. Un hombre que lo tenía todo en contra, por el que nadie apostaba y que consigue, gracias a su perseverancia pero sobre todo gracias a su instinto de supervivencia, prosperar y conseguir una vida mejor para él y para la sociedad que comparte su situación.

Todo eso le hace también  evolucionar como ser humano puesto que el que comienza siendo un hombre rudo y cuadriculado, que desprecia la homosexualidad, terminará cediendo y defendiendo al colectivo gracias a su relación y al vínculo que crea con Rayon.

Los protagonistas son Matthew McConaughey y Jared Leto, ambas interpretaciones les han supuesto ser los vencedores en los Oscars de 2014 consiguiendo el galardón a mejor actor principal y mejor actor secundario respectivamente.
Realmente son premios muy merecidos, ambos consiguen una interpretación sorprendente, a ratos transmiten pena por sus personajes, a ratos consiguen que se les desprecie. Ambos realizan papeles complejos e interesantes que fácilmente podían cruzar el límite hacia lo grotesco pero que sin embargo son capaces de mantener en la fina línea que separa el respeto y el repudio. Ellos son la película, ellos son la historia.

La manera de contarla por parte del director no es nada especial, está bien pero no innova demasiado en la forma sin embargo no tiene ese espíritu aleccionador de los biopics que muchas veces los hace pesados y repetitivos. Consiguen que el espectador se identifique y comprenda por lo que sus personajes están pasando sin lecciones ni grandes discursos y sin recurrir tampoco a la lágrima fácil.

"Dallas Buyers Club" es la lucha de un hombre por hacer lo que sea por prolongar su vida, por sobrevivir pese a todo y pese a todos, es la historia de un hombre que no se rindió.

Me gusta el nuevo rumbo que ha cogido la carrera de McConaughey haciendo cine diferente, alejándose de la comedia romántica y las películas de acción en las que cualquier escusa es buena para lucir torso, como ya vimos en "Mud".

GRACIAS POR LEERME

Si queréis ponerle voz a "La chica del video" os invito a escuchar este programa de radio al que fui invitada la semana pasada. Es un programa dedicado a la música Heavy y Rock y por eso lo dedicamos ese día a la incursión de ese tipo de música en el cine. Quedó muy ameno y curioso, podéis escucharlo en el siguiente enlace "Kabax Rock". 

Os invito también a pasar por su página de facebook donde anuncian fecha y hora de programas venideros por si los queréis escuchar en directo. Podéis darle a "me gusta" en el siguiente enlace: "Facebook de Kabax Rock".

Por último me gustaría informaros de que a partir del próximo mes de abril también podréis leerme a través de la revista digital  de cine Film magazine digital donde además de realizar una sección sobre los próximos lanzamientos en DVD analizaré alguna que otra película. Igualmente podéis seguir la revista a través de facebook en el siguiente enlace FILM MAGAZINE DIGITAL.

UN SALUDO

EL LOBO DE WALL STREET

En cinco ocasiones hemos tenido la oportunidad de disfrutar del tándem Scorsese-DiCaprio y en las cinco ocasiones me parece que el resultado ha sido un trabajo fabuloso.
Recordemos esos títulos: "Gangs of New York" (2002), "El aviador" (2004), "Infiltrados" (2006), "Shutter Island" (2010) y ahora "El lobo de Wall Street" un biopic basado en las memorias de Jordan Belfort.

Belfort es un corredor de bolsa de origen humilde que tras una cortísima carrera en Wall Street decide montar su propia empresa de inversiones con la que llegará a la élite y gracias a la que se hará un hombre tremendamente rico.
Pronto el FBI comenzará a seguir sus pasos acusándole de fraude y blanqueo de dinero.
Belfort y el resto de sus socios llevan una vida desenfrenada en la que predominan las drogas, el sexo y los excesos en general.

DiCaprio interpreta a un hombre que ha hecho del sueño americano una realidad, un hombre que de la nada y sin más ayuda que su inteligencia y capacidad de convicción ha creado un imperio.
Nos enseña a un gran motivador, un hombre que es capaz de convencer a cualquiera de lo que sea, un auténtico líder movido por el interés y, me atrevería a decir, por la avaricia.
Su vida se llena de excesos al mismo ritmo que gana dinero. Las drogas, la prostitución y el lujo son una constante en su vida y en la de sus socios, tanto que en base a eso crean un estilo de vida que se muestra de forma muy explícita en la película.

Que DiCaprio es una gran actor no lo voy a descubrir yo ahora, en esta película de nuevo lo deja claro. Su personaje experimenta todo tipo de sentimientos y el actor es único representándolos. Este año y gracias a este papel puede conseguir su primer Oscar a mejor actor.
Otro nominado es su compañero y eterno secundario Jonah Hill, opta al Oscar a mejor actor de reparto. Este polifacético actor es el perejil que está en todas las salsas, un gran actor cómico pero también un cada vez más reconocido actor dramático como ya viéramos en "Moneyball" gracias a la que también tuvo una candidatura en esta categoría.

Martin Scorsese vuelve a estar nominado como mejor director. En esta ocasión ha hecho una película nada oscura en la forma, a diferencia de la gran mayoría de sus trabajos. Es ésta una película  llena de luz aunque la parte oscura está en el fondo puesto que nos muestra un mundo que puede verse bonito desde fuera pero que está lleno de ilegalidades y de muestras de la mas vil bajeza humana.

Es una película larga, llega a las tres horas prácticamente. Esto es una rasgo propio de las películas biográficas porque se precisa tiempo para ponernos en situación y para mostrarnos a los personajes en toda su plenitud. Aunque lo justifico, tengo que admitir que le hubiera recortado media hora, se repiten innecesariamente algunas escenas que pueden resultar agresivas para el público más sensible, y digo que no son necesarias porque siendo menos explícitas hubieran dado la misma información al espectador.

Recomiendo esta película al público mayor de edad, que le apetezca ver una nueva versión del sueño americano. Especialmente les gustará a los entendidos en asuntos bursátiles y financieros aunque a los que no sean conocedores de esta terminología no les resultará difícil entenderla. Es una película muy completa que incluso ofrece algún guiño de comicidad. Pese a su larga duración es amena a lo que ayuda una banda sonora acertada y muy festiva en consonancia con la trama y la época en la que se desarrolla.

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EL ARTISTA Y LA MODELO

Hacia septiembre de 2012 se presentaba en el festival de San Sebastián la última película de Fernando Trueba. "El artista y la modelo" se hacía allí con la Concha de Plata y contaría más tarde con trece nominaciones a los premios Goya.

Marc Cross (Jean Rochefort) es un escultor y pintor, ya anciano y deprimido, decepcionado por la raza humana que vive en un pueblecito en los Pirineos y trabaja en un pequeño taller en medio de la montaña, prácticamente esperando a que le llegue su hora.
Un día su esposa (Claudia Cardinale), encuentra a una joven y decide acogerla para que trabaje como modelo para él. La llegada de Mercé (Aida Folch), la joven que ha llegado hasta allí huyendo de la dictadura franquista, devolverá las ganas y la inspiración al artista.

Fernando Trueba nos sumerge en la exquisitez de la imagen en blanco y negro con esta película rodada en francés. Renuncia a los diálogos reduciéndolos a la mínima expresión y renuncia también a la música, algo que ha sido muy importante en otros de sus trabajos ("Chico y Rita", "El baile de la Victoria" o "Belle Époque"). Renuncia a todo ello para dejar hablar a las imágenes, a las miradas y al sonido ambiente, es impresionante lo que se puede transmitir con esos elementos tan simplistas a priori.

No sólo la fotografía y la dirección artística contribuyen a la belleza de la película, mucha culpa la tienen también los intérpretes.
Jean Rochefort encarna al artista que está inspirado en la figura de Arisitide Maillol pintor y escultor francés que vivió a finales del siglo XIX y la primera mitad del XX. Maillol utilizó el cuerpo femenino como tema fundamental, fue un gran innovador en cuanto a tipos y proporciones en sus obras escultóricas.
Rochefort no puede estar más creíble, transmite a un hombre apesadumbrado, derrotado por la vida al que una joven muchacha devuelve el brillo de su mirada y le devuelve también las ganas de seguir la búsqueda de "la idea", elemento esencial para un artista, la inspiración.
La mirada de Rochefort es la mirada del artista que busca y encuentra.

Aida es esa musa inspiradora. Mezcla de fortaleza y convicciones, una mujer que no ha tenido contacto con el arte ni lo entiende pero que irremediablemente forma parte de él.
El resto del reparto principal son Claudia Cardinale como esposa y una maravillosa Chus Lampreave que es la única que habla algo de castellano en la película.

Me ha parecido una película bella, en la que son las miradas de los personajes las que hablan, las que nos hacen entenderlos y saber cómo sienten; dulzura, ternura, desconfianza, pena, curiosidad, duda, deseo... todo eso se puede transmitir con una sola mirada y la prueba la tenéis en esta obra. Creo que las miradas son las protagonistas absolutas.
Es una película delicada, pensada no para llenar grandes salas si no para el deleite del espíritu de unos pocos. Muy interesante en cuanto a que no hay muchas obras que nos muestren la manera de trabajar de un artista.
En definitiva no recomiendo esta película al gran público, hay que tener una sensibilidad especial para disfrutarla.

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RUSH

Os quiero hablar hoy de"Rush", una película basada en una historia real. Ambientada en el mundo de la Fórmula 1 concretamente en los años setenta cuando se vivieron algunos de los años más apasionantes de este deporte y que marcarían un antes y un después en su historia.

Como todas las películas basadas en hechos reales y más cuando son hechos por casi todos conocidos, hay una parte muy buena, que es saber lo que vas a ver y, por tanto, tu atención se centrará en el cómo se cuenta y no en qué se cuenta. Y la parte mala de saber lo que vas a ver es precisamente lo mismo, no hay cabida a la sorpresa a no ser que lo que sorprendan sean los aspectos técnicos de la cinta.

"Rush" nos cuenta la historia paralela de dos pilotos de Fórmula 1, uno es el británico James Hunt (Chris Hemsworth) y el otro el austriaco Niki Lauda (Daniel Brühl). Dos pilotos que acceden al primer nivel de competición al mismo tiempo y cuyas carreras estarán muy unidas puesto que son motivación el uno para el otro.
Pese a pertenecer al mismo mundo son personas muy diferentes. Hunt es una persona arrogante, derrochadora, alocada y poco responsable que piensa en ganar carreras pero también en disfrutar de la vida. Sin embargo Lauda es la cordura, el trabajo duro e incansable, la persona asentada que vive por y para su pasión, los coches y las carreras.

La película representa muy bien las dos perspectivas y cómo pese a ser tan diferentes se necesitan el uno al otro para continuar. 

En cuanto a los actores tengo que decir que me ha sorprendido muy gratamente Chris Hemsworth puesto que hace un cambio de registro, después de verlo como tipo duro en "Thor" y en "Blancanieves y la leyenda del cazador", papeles más agresivos físicamente y no de mucha calidad interpretativa, sorprende el giro que da haciendo ahora un personaje realista y realmente creíble.

En cuanto a Brühl no se puede decir mucho más, es un actor muy bueno, de esos que van pasito a paso sin hacer mucho ruído pero abriéndose camino de manera segura. Tocando diferentes géneros para no encasillarse, haciendo cine de diferentes nacionalidades. Recordemos sus papeles en "Salvador", "Good Bye Lenin", "Malditos Bastardos", "Eva" o "The Pelayos".

Creo que un aliciente para la elección de los actores fue el parecido físico, especialmente de Hemsworth. Es muy sorprendente, igual que la manera tan rigurosa en la que la película reproduce los hechos y la atmósfera de la época.

El director no es un principiante, y eso se nota. Ron Howart, el que ya dirigiera "Willow", "Una mente maravillosa", "Cinderella man" o "El código Da Vinci" se ha embarcado con esta película en un trabajo ambicioso y arriesgado y creo que lo ha resuelto muy bien.

La película dura 120 minutos pero se hace realmente amena. Aunque no seas un amante de las carreras de coches va a conseguir emocionarte porque es una historia muy humana. Igualmente, si eres seguidor de la Fórmula 1 te lo vas a pasar genial viéndola porque se muestran los entresijos, se puede ver la evolución del deporte.

Recomendada para todos los públicos que busquen entretenimiento y emoción. Una historia humana con banda sonora de motores. ¿Te apetece verla?

GRACIAS POR LEERME

UNA HISTORIA VERDADERA

Hay ocasiones en las que vas guardando en la recámara títulos que te han recomendado, que alguna vez se han cruzado en tu camino, películas de las que has leído su sinopsis y te ha llamado la atención pero que nunca has encontrado el momento para verlas o que simplemente no te has acordado de que las querías ver.

Un poco de todo eso me ha pasado con la película de la que os voy a hablar. Se estrenó en 1999, es una película estadounidense, de 111 minutos de duración y de esas que te deja con una sonrisa en los labios y el corazón encogido.

Su director es David Lynch, el prolífero director de obras del cine y de la televisión entre las que destacan "Terciopelo azul","Sensación de Vivir 90210", "Twin Peaks", "Carretera perdida","Mulholland Drive" y, por supuesto, "Una historia verdadera" la película de la que quiero hablaros.

"Una historia verdadera" cuenta la historia de Alvin, un anciano sureño con tantos achaques como años y que vive con su hija discapacitada Rose. Un buen día decide emprender un viaje de 500 kilómetros hasta el estado de Wisconsin para reencontrarse con su hermano, al que hace 10 años que no ve y con el que no se habla. Y el viaje decide hacerlo con una vieja corta césped John Deere.

Interpreta al entrañable anciano el veterano actor Richard Farnsworth conocido por trabajar en varios westerns y series de televisión. Aquí nos enseña a un hombre que sólo tiene una tarea pendiente en la vida y la que parece querer llevar a cabo para poder morir tranquilo y en paz, el reencuentro con su hermano. Es un hombre testarudo pero muy entrañable, transmite mucha ternura, tiene una mirada llena de melancolía, esperanza y felicidad que engancha. A su hija la interpreta la verdadera y eterna Carrie, Sissy Spacek.

En su viaje Alvin se va encontrando con diferentes situaciones y personajes que, en unos casos lo invitan a sincerarse y a contarnos su historia y la de su vida y en otras, es él el que da pie a sus acompañantes temporales a que se desahoguen y nos muestren sus sentimientos. Algunos de esos personajes sólo aparecen para ayudarle en su periplo mostrando así la naturaleza generosa de las personas.

La película es una "película de carretera", es un género propio en las películas americanas. La mayoría transcurre en su viaje hacia el Mississippi, por eso son numerosos los planos que nos muestran la propia carretera, las ruedas o el resto de vehículos. Planos sencillos pero perfectos que nos muestran la belleza y simpleza de la américa profunda, adornados con una bonita y también sencilla banda sonora.

La película nos muestra de una manera conmovedora los que deberían ser los más básicos valores del ser humano, el perdón, la familia, la generosidad, la sencilllez. Es conmovedora y profunda sin andarse por las ramas.

Resume de manera muy clara la filosofía de la película una frase que Alvin utiliza en una conversación con una de las personas que se cruzan en su viaje: "a mi edad, sé separar el grano de la paja y dejar que las cosas pequeñas se las lleve el viento".

Y es que damos demasiada importancia a cosas que no son trascendentales dejando de lado las que sí lo son. Lo importante es darse cuenta y poner remedio antes de que sea demasiado tarde.

¿Conocíais la película? ¿Qué os parecen este tipo de películas con moraleja? ¿qué conclusiones sacasteis vosotros al verla? y si no la habéis visto, ¿os ha creado curiosidad?

Espero vuestras respuestas.

GRACIAS POR LEERME

LA BANDA PICASSO

Mis más sinceras disculpas por la tardanza en las publicaciones. La verdad es que han sido numerosas las películas que he visto desde la anterior entrada pero ninguna me ha motivado para escribir sobre ella, ya sea por falta de contenido, porque no me han gustado, porque poco hay que decir sobre ellas o por falta de inspiración simplemente.

En este caso os voy a comentar una película que, de no ser por la falta de otras más inspiradoras, no creo que hubiera ocupado ninguna página en este blog y no porque sea mala, sino porque esperaba más de ella y me ha desilusionado un poco. Se trata de "La banda Picasso".

Es una película española ambientada en París en los primeros años del siglo XX (1911), del director Fernando Colomo, conocido por otros títulos de nuestra filmografía como "Al sur de Granada" o "Bajarse al moro". Se estrenó el pasado año y no supera los cien minutos de duración.

Una de las razones por las que me ha sabido a poco la película es porque se supone que su género es la comedia pero la verdad es que son sólo algunas pinceladas de comicidad las que se pueden sustraer.

En concreto la cinta cuenta la historia de un grupo de artistas habitantes del barrio de Montmartre con Pablo Picasso a la cabeza que son acusados del robo de "La Gioconda" del museo del Louvre.
Ese es el desencadenante para recrear el París de las vanguardias artísticas. El círculo en el que se desarrolló el que, para mí, es el momento de mayor y mejor creación artística de la Historia del Arte.

Con el predominio de un engreído Matisse que se ve sobrepasado por la inventiva de un nuevo artista, Picasso, y de un movimiento, el cubismo, por el que nadie apostaba hasta la exposición del primer cuadro del estilo, obra de un guapísimo (en la película) Georges Braque aunque siempre haciendo hincapié en la influencia que el español había ejercido en su obra.

Este círculo de artistas está representado, además de por los ya citados, por Apollinaire, mano derecha de Pablo, Max Jacob o Manolo Hugué toda una generación maravillosa impulsora del arte de principio de siglo en todas sus ramas. Precisamente toda esa atmósfera es lo mejor de la cinta que hará el deleite de todos los amantes del Arte aunque también los quedará, como en mi caso, con ganas de más.

La linealidad en cuanto al carácter de la obra no es contínua, cuando parece una comedia se torna dramática y cuando parece que reina el suspense cambia a ser una historia de amor. No termina de convencer por no tener un género definido y desarrollado de principio a fin.

El director se recrea en el carácter melancólico de esos años, en el idealista París de la primera década, pero no se zambulle lo suficiente como para ganar el interés de aquellos que no sean unos enamorados de la época. Intenta ser un homenaje pero se queda en la superficie.

Me ha parecido demasiado poco profunda para lo que da de sí el tema. Además, los actores, especialmente el protagonista Ignacio Mateos no parece transmitir la personalidad arrolladora y desbordante del genio malagueño. 

Si tuviera que recomendar esta película, diría que no te va a aburrir pero tampoco te va a enganchar. Lo bueno, que no es larga, escenario y época recreados con gran acierto, la música también es buena. Lo malo, que no aporta nada a la historia del cine y que si no la ves no te pierdes mucho. 

Personalmente me ha resultado entretenida al permitir adentrarme en una época maravillosa y fascinante que cualquier amante del arte hubiera deseado conocer. 

A continuación os dejo el tráiler de la película. 

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OPERACIÓN E

Luis Tosar es el mejor actor que ha dado este país. Con cada uno de sus trabajos me cercioro más de ello.
La última película que he visto es "Operación E" , un drama basado en hechos reales y ambientado en la selva   de la guerrilla colombiana.

La historia se sitúa en 2002 aproximadamente, cuando José Crisanto (Tosar) se ve sorprendido con el encargo, por parte de las FARC (Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia), de cuidar y mantener con vida a un bebé, bajo amenaza de muerte si no cumplía el cometido. Crisanto es un campesino muy humilde que vive con su mujer, su suegro y sus cinco hijos en mitad de la selva y que sobrevive con el cultivo de coca. 

La familia se ve obligada a huir para mantener con vida al bebé. Años más tarde los guerrilleros le reclaman al niño. Sin saber muy buen cómo, Crisanto se ve involucrado en un conflicto que tiene a Colombia y Venezuela al borde de la guerra, y del que es imposible salir indemne. 

Es una película con claros tintes políticos pero que los mantiene en segundo plano para contarnos la historia de un anti héroe. Uno de esos afectados indirectos por la guerrilla. Tosar interpreta a un siervo, un hombre vencido y privado de libertad que vive con miedo continuo más por su familia que por él mismo. Del que su máxima es mantener unida a toda la familia sin preguntas, sin explicaciones, simplemente confiar los unos en los otros y permanecer unidos, pues son lo único que tienen.

La película está basada en el secuestro de Clara Rojas, aunque esa es la excusa para mostrarnos el drama de los desplazados, el drama del campesino y de que Crisanto, en este caso,  siempre tiene las de perder aunque intente actuar correctamente. Es un hombre solo.

El director de  "Operación E", coproducida entre España y Francia,  es Miguel Courtois el que ya tiene algo de experiencia en este tipo de obras puesto que fue el director de "GAL" y "El lobo".

Me ha gustado la manera de introducir la historia, las primeras secuencias nos muestran a Crisanto en una sala de interrogatorios. Después el nacimiento del niño, fuera de plano, en medio de un conflicto en el que los gritos de la parturienta se mezclan con los disparos, creando en el espectador la intriga de no saber muy bien qué está pasando.

Además no decae la historia en ninguno de los 108 minutos que dura. Te mantiene expectante hasta el último momento.

Junto a Luis Tosar, como su esposa, aparece Martina García, actriz que ya pudimos ver en "La cara oculta" junto a Quim Gutiérrez y Clara Lago o en "Biutiful" con Bardem. Hace muy bien su papel, una mujer, madre de familia, indígena que apoya a su esposo ante todo y capaz de tomar las riendas de la familia si es necesario.

Pero sin duda la estrella es Tosar. Debe de haber sido uno de los papeles más complejos de su carrera, puesto que además de encontrarse ante un personaje complejo tenía el aditivo del acento cosa que solventa puesto que parece nacido en la mismísima Bogotá. Lo hace genial, está completamente creíble, no se le ve forzado y además no desmerece el resto de actitudes del personaje por culpa del acento. Con la mirada transmite a un Crisanto abatido al que le superan muchas veces las circunstancias, gran capacidad de transmisión a través del lenguaje corporal. 

Me parece un actor muy completo, nada encasillado y capaz de hacer de cualquier papel algo muy verosímil.

Os recomiendo esta película, dura y dramática, realista pero nada lacrimógena. Con un actor sobresaliente y una historia real que muchas personas viven en silencio en la actualidad . A continuación os dejo el enlace al trailer para que veáis la pinta que tiene. OPERACIÓN E

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EL MAESTRO DEL SUSPENSE

Quiero hablaros de la última película que he visto esta semana, se trata de la película biográfica sobre Alfred Hitchcock que lleva por título su propio apellido. Se estrenó el pasado febrero en los cines españolas y su director es Sacha Gervasi, del cual no conozco otros trabajos.

Esta obra de poco más de hora y media nos muestra una parte crucial de la carrera del maestro del suspense. Un Alfred de unos sesenta años decide llevar a la gran pantalla una novela llamada "Psicosis". Pese a estar en el momento de mayor auge de su carrera el proyecto no es aceptado por ninguna productora puesto que no creen que la historia tenga suficiente categoría. El tozudo director decide arriesgarse y financiarla él mismo, aún sabiendo que puede terminar arruinado.

Estamos ante otra de esas películas que muestran cine dentro del cine. Me encantan este tipo de películas porque son como esas muñequitas rusas en las que dentro de una siempre aparece otra más pequeña. Son películas por capas que además instruyen sobre el mundo del cine por dentro, algo que me resulta  fascinante.

El que se haya escogido el momento en que se gesta "Psicosis" no es algo casual, es la película más importante de su carrera porque sentó las bases del género de terror y porque forma parte de la historia del cine como una película pionera en muchas cosas. Pese a ser en blanco y negro consiguió crear en el público la sensación de horror de la sangre valiéndose de la música y de la secuencia de primeros planos sin necesidad de mostrar ninguna escena viscosa, a diferencia del terror actual, el cual en su mayoría, no sabe recurrir a otro elemento que no sea la sangre y el morbo.

"Hitchcock" emplea la excusa del rodaje de "Psicosis" para mostrarnos la personalidad de Alfred con sutiles pinceladas que debes, como espectador, ir descubriendo por ti mismo. Así es el caso de su conocida obsesión por las mujeres rubias, en las que ve a sus musas y con las que crea una relación muy particular. 

También se ve la contraposición entre su seguridad como director de cine pero su inseguridad como persona. Algo que le venía desde su infancia y por la que se refugiaba en la comida y la bebida.

"Psicosis" sirve en la película como arma de doble filo, por un lado es el título de la obra que lo hará inmortal, pero por otro lado psicosis es lo que el director muestra ante su propia vida. Se puede entender como un rasgo de personalidad.

Su esposa es clara protagonista en ambos aspectos. Alma Reville, es su compañera de vida y de trabajo, además de aportar ideas y de llevarlas a cabo es la que lleva las riendas de la vida de Alfred. Lo atiende, lo cuida y se mantiene a su lado siempre pese a tener que soportar los continuos devaneos de su esposo con sus rubias musas.

Nos muestra esta película que ambos sienten gran necesidad afectiva y que es psicótica la relación de celos y desconfianza que ambos sienten a espaldas del otro. 

Es una película muy turbia en el fondo aunque muy luminosa en la forma. Me refiero a que el trasfondo son las obsesiones del director y todo lo que he explicado antes con respecto a su esposa pero está llevada a cabo con una buena fotografía que se aleja del oscurantismo de las películas que dirigió Alfred. Está llena de luz y color. Exceptuando algunas escenas donde Hitchcock se adentra en el mundo del asesino de su película y lo acompaña llegándose a identificar con él en algún momento o usándolo como confesor de sus más profundos sentimientos. 

En cuanto al maquillaje y la caracterización me han encantado, en ningún momento he visto en pantalla a Anthony Hopkins. El resto del reparto también me ha gustado, Helen Mirren haciendo de Alma está maravilloso, no hay nada que descubrir a estas alturas de esta veterana actriz. Mención especial para Scarlett Johansson y Jessica Biel que también están perfectas. 

Pese a lo que suele ocurrir con las películas biográficas no es nada lenta, eso es debido a que tiene un guión muy dinámico y natural y además no es muy larga lo que hace de éste un "biopic" muy ameno e interesante aunque llevado a cabo con simpleza. 

Especialmente  atractivo para los conocedores de la obra filmográfica del director puesto que son continuas las alusiones a otras de sus cintas como "Vértigo", "Con la muerte en los talones" o "Alarma en el expreso" y haciendo un guiño final a la que sería su próxima película con la aparición estratégica de un cuervo negro.

Una amiga me sugirió que estaría bien dejar el enlace al trailer de la película para que os hagáis una idea de ella, así que le haré caso. Gracias por la idea Ana.

"Hitchock"

GRACIAS POR LEERME