CRÓNICA: V FANTER FILM FESTIVAL

SEGUNDA PARTE...

PRIMERA PARTE...

MR. KAPLAN

Desde Uruguay y dirigida por Álvaro Brechner, nos llegaba en 2014 esta comedia con tintes dramáticos protagonizada por un personaje tan adorable como peculiar y ambientada en Montevideo en los años 90.

El casi octogenario Jacobo Kaplan comienza a tomar conciencia del paso de los años cuando un médico le retira el carné de conducir por incapacidad. Lo que él cree que es una injusticia soberana le sirve para ser espoleado hacia la búsqueda del proyecto más importante de su vida, demostrar que nunca se es demasiado mayor para hacer grandes cosas.

Encontrará su gran reto personal en la figura de un alemán. Un anciano que regenta un bar junto a la playa y que Jacobo se empeña en demostrar que es un oficial nazi que lleva años allí escondido desde que huyera de Europa con la caída del Tercer Reich.

Jacobo y su familia son judíos europeos que tuvieron que emigrar a Sudamérica en la Segunda Guerra Mundial para salvar sus vidas. Él, que llegó a aquellas tierras siendo un niño, ve ahora la oportunidad de engrandecer a la comunidad judía y para ello su intención será secuestrar al viejo alemán y llevarlo a Israel para que sea ajusticiado.

Todo ese plan lo llevará a cabo con un hombre de mediana edad, Wilson, cuyo padre había trabajado para la familia durante años y que ahora tras ser retirado de la policía se ve en paro y atravesando una situación familiar delicada. Aunque en un principio no entiende a Jacobo y todo eso le parece un disparate, termina tomando plena conciencia del asunto e involucrado al cien por cien.

Juntos forman una pareja realmente divertida puesto que a priori, son dos personas muy diferentes, por un lado el concienzudo y meticoloso Jacobo y por otro el despreocupado y borracho Wilson aunque, como suele pasar en estos casos, terminarán siendo inseparables.

Más allá de recuperar la dignidad para su pueblo, lo que en realidad busca Jacobo es no morir sin ser recordado. En realidad toda la trama del alemán sirve para poner el punto humorístico a un tema que en el fondo es muy triste y doloroso porque, tarde o temprano, la mayoría de nosotros pasaremos por esos momentos.
Lo que esta película nos cuenta es la historia de un hombre con miedo a desaparecer, más que al hecho de morir lo que Jacobo teme es no haber hecho nada importante en su vida, algo que a todos nos puede atormentar en algún momento determinado. Su momento llega cuando ya parece ser muy tarde para todo, puesto que a su edad no tiene el apoyo ni la confianza por parte de nadie y mucho menos de su familia.

Os recomiendo esta divertida y sentimental película que con una dirección y un guión sencillos nos deja anécdotas tan singulares como la imagen del octogenario saltando a una piscina sin saber nadar, sólo para demostrarle a sus amigos que saber nadar no es tan importante ya que, sabiendo o no, si tuviera que hacerlo lo haría por medio del instinto.

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NIGHTCRAWLER

"Es una de las grandes olvidadas en los Oscars de este 2015", así la han calificado muchos críticos o cinéfilos. Sin duda no creo que debiera optar a mejor película en los más prestigiosos premios del cine aunque, tras verla, sí que me ha faltado una nominación para su protagonista, el polifacético Jake Gyllenhaal.

"Nightcrawler" es la primera obra como director del californiano Dan Gilroy quien había hecho trabajos como escritor o co-escritor en otras películas pero nunca antes se había embarcado en la dirección. También es el autor del impecable guión de esta obra que le ha valido la nominación como Mejor Guión Original en los premios de la Academia.

Se trata de un thriller periodístico. Su protagonista, Lou, descubre por casualidad un negocio que desconocía.
 Lou es interpretado por Gyllenhaal. El personaje empieza siendo un buscavidas capaz de robar chatarra para malvenderla y poder sobrevivir, ya que no tiene trabajo fijo ni opciones para encontrarlo.
Es un personaje algo sórdido que un día, tras ser testigo de un accidente de tráfico descubre que hay todo un negocio que él desconoce, la venta de vídeos a los canales de noticias de la televisión.
Así emprende una carrera profesional que le lleva a convertirse en un ser despiadado, sin escrúpulos, capaz de cualquier cosa con tal de conseguir su objetivo que va más allá de lo económico. Lou busca reconocimiento y notoriedad, adulaciones y despertar admiración a su alrededor y para conseguirlo es capaz de pasar por encima de cualquiera sin el más mínimo remordimiento.

Para hacer creíble al personaje, Jake Gyllenhaal ha perdido 12 kilos y acomoda sus gestos, su complexión y expresividad corporal, sus andares, sus muecas y hasta su mirada al psicótico personaje haciendo que realmente llegues a creértelo como un ser descorazonado e insensible que a veces puede hacer gracia pero que termina dando auténtico miedo.

Gyllenhaal hace la mejor interpretación de su amplia carrera y ésta no es una afirmación fácil ya que tiene un amplio currículum participando en películas de todo tipo desde "Donnie Darko" a "Brokeback Mountain", pasando por "El príncipe de Persia", "Enemy" o comedias románticas como "Amor y otras drogas". Sin duda es un actor polifacético y con una trayectoria impecable a la que  aún le quedan muchos éxitos por cosechar. Como digo, aquí hace para mí su mejor papel y creo que hubiera merecido más notoriedad por parte de la Academia.

La película es una crítica voraz a los medios de comunicación, al negocio que se esconde tras el morbo que va más allá de la noticia en sí. Y no le falta razón, puesto que si nos paramos a pensarlo, podemos comprobar cómo el periódico que más vende o el telediario más visto es aquel que, tras una gran catástrofe, nos muestra las imágenes más duras y crueles.

Cada vez más los medios de comunicación dejan de lado la ética y la moralidad para ofrecer al público carnaza y  morbo dando lugar a espectadores casi inmunizados y casi incapaces de sorprenderse por nada. Lo que Nightcrawler nos hace preguntarnos es:
¿Dónde están los límites?
¿Hasta dónde pueden llegar los medios con tal de hacer negocio?
¿Cual es el margen de legalidad que hay detrás de las imágenes que se nos muestran y hasta dónde es lícito mostrar?
Ante un público que lo ha visto todo ¿qué se puede ofrecer para retener su atención?
¿Qué clase de sociedad somos al regocijarnos con imágenes de muerte y destrucción?

No podéis dejar de verla porque pocas veces tenemos la oportunidad de ver obras de este calibre, con ritmo, con buena factura, con un guión inteligente y además capaz de remover conciencias.

GRACIAS POR LEERME

OMAR

Omar, es una película palestina que compitió en la pasada edición de los Oscars como mejor película extranjera. Llegaba a España en el mes de julio de 2014 y acaba de salir su edición para el mercado doméstico.

Esta película es un drama romántico con el conflicto palestino como telón de fondo, se mueve en un primer momento entre una historia de amor y los conflictos sociales del país, para degenerar con suma inteligencia en un thriller plagado de intriga, acción y giros inesperados. Con todo eso quiere hablarnos de lo efímera que es la felicidad sobre todo en algunos lugares.

El protagonista es el chico que da nombre a la cinta. Omar es un panadero que cada día salta el muro que separa Cisjordania de Israel para ver a su novia Nadia. Entre ellos hay una relación casi platónica, el poco contacto que mantienen es de manera furtiva, basado en miradas cómplices, llenas de deseo y por cartas secretas e inocentes que intercambian cada vez que se ven.

Uno de los motivos por los que guardan en secreto su relación es porque Nadia es la hermana de uno de los mejores amigos de Omar, desde la infancia, Tarek.
Tarek, Omar y un tercer amigo, Amjad, están muy volcados en la lucha por la libertad de su pueblo y desde que estuvieron involucrados en la muerte de un soldado israelí la policía los vigila de cerca.

A partir de ahí el argumento entra en una espiral de chantajes, personajes que no son lo que parecen, mentiras y angustia para nuestro protagonista que parece ser el eje de todo lo que ocurre a su alrededor.

El personaje de Omar es en el que más se profundiza dejando al resto de personajes en un segundo plano. En torno a él y a sus actos gira toda la trama y es el auténtico perdedor de la historia.

"Omar" es el quinto largometraje del director neerlandés de origen palestino Hany Abu-Assad. Con esta película de identidad propia hace que el cine palestino dé un paso al frente. Es la primera producción plenamente palestina aunque la factura personalmente me parece muy europea.
Está grabada casi por completo en la ciudad de Nazaret y transmite perfectamente la esencia de la ciudad árabe: laberíntica, de calles estrechas, con una luz tan peculiar... para ello hay que destacar los diferentes planos secuencia que el director utiliza en las persecuciones que tienen a Omar como protagonista.

En cuanto a los actores tengo que decir que para mí son completamente desconocidos pero me ha encantado el actor principal Adam Bakri. Es un actor muy polifacético, dentro de la misma historia interpreta diferentes roles y en todos destaca, especialmente en los primeros planos de cámara. Su imagen en pantalla tiene una gran personalidad y es capaz de cautivar al espectador, algo necesario para contar una historia tan intensa.
Como digo es el actor que desarrolla un papel más completo y habrá que seguirle la pista muy de cerca.

Desconozco si esta película ha sido doblada al castellano, la edición que he tenido la oportunidad de ver es en versión original cosa que me encanta puesto que me resulta más realista escuchar las voces originales, además es una película con poco diálogo por lo que se puede entender sin problema alguno.

En el caso de que no se haya doblado al español es un "handicap" importante porque creo que es una película compatible para todo tipo de público y parte de ese público se la va a perder por no estar dispuesto a leer hora y media de subtítulos.

Tengo que recomendarla igualmente porque es una auténtica maravilla, una historia tan contemporánea como sorprendente que no va a dejar indiferente a nadie.

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PERDIDA

Hace una semana se estrenaba en las salas de cine españolas el último trabajo del director estadounidense David Fincher con Ben Affleck como protagonista y bajo el enigmático título de "Perdida".

A David Fincher se le puede catalogar como uno de los reyes del thriller, es uno de los directores más prolíficos en este género y también uno de los más reconocidos. Lo avalan títulos que ya son historia del cine como "Seven" (1995), "The Game" (1997), "El club de la lucha" (1999), "Zodiac" (2007), "El curioso caso de Benjamin Button" (2008) o "La red social" (2010). Aunque en su carrera también ha habido momentos de claroscuros.
Por tanto parecía que con "Perdida" volvería a cautivarnos y en parte así ha sido aunque ésta es una de esas películas que hay que analizar concienzudamente, como siempre intentaré no desvelar nada trascendental del argumento pero creo que este análisis no lo entenderá al cien por cien quien no la haya visto.

Lo primero que hay que dejar claro es que, como la gran mayoría de las películas de Fincher, es muy larga, casi llega a los 150 minutos, este director suele sobrepasar las dos horas de metraje y en parte es preferible que así sea ya que una buena película de intriga tiene que ser minuciosa y eso necesita tiempo.

LA HISTORIA
Es la adaptación de la novela con el mismo título escrita por Gillian Flyn en 2013.
Esta película nos cuenta la historia de un matrimonio joven, una pareja idílica que vive en una preciosa casa, son guapos y llevan una vida agradable. Una mañana, después de su quinto aniversario de bodas, la mujer desaparece sin dejar rastro y a raíz de ahí van saliendo a la luz los trapos sucios que rodean al matrimonio teniendo en el centro de la sospecha al marido.
El director nos la cuenta como si de un diario se tratara, señalando los días y momentos importantes y mezclando el tiempo real con flashbacks que nos ayudan a entender cómo ha sido la relación de los protagonistas antes de los acontecimientos.
LOS PERSONAJES
Los personajes principales son el matrimonio, interpretado por Ben Affleck que hace de Nick y Rosamund Pike que interpreta a Amy.
Ella es una mujer pasional, guapa, elegante, sumisa a priori pero que no deja de ser intrigante. Este personaje es el que tiene más matices y Rosamund interpreta de maravilla cada una de las caras de su personaje.

A lo largo de la historia pasa por diferentes fases, se puede decir que va en declive personal y es una especie de viaje a través de su locura, es un personaje en continua involución.
Se puede dividir la película en tres partes atendiendo al proceso evolutivo de este personaje. De esas tres partes para mí la mejor es la segunda, creo que es cuando se muestra el personaje con total naturalidad, el momento en el que no obedece a ningún protocolo, en esa segunda parte Amy es ella misma, sin disfraces, como si en el resto de la película estuviera tapada por una máscara.

A Affleck lo veo demasiado comedido e inexpresivo. Al principio no se puede entender bien su comportamiento y eso es parte del personaje pero en general lo veo plano. Ella lleva todo el peso interpretativo, es la verdadera protagonista.

Otro de los personajes con  más peso es Neil Patrick Harris que protagoniza la parte final de la cinta, para mí es en esa parte en la que la historia se devalúa. Toda la fuerza que había ganado en la parte anterior, la parte central, se pierde con esta última que ocupa prácticamente la última hora de película. No creo que sea problema del actor, si no por la historia en sí. Creo que se intentó "rizar el rizo" con el desenlace y quizá una explicación más previsible hubiera dejado mejores sensaciones en el espectador. Es tan descabellada esta parte final que, para mí, es poco convincente.
Los padres de la protagonista juegan también un papel muy importante porque aunque no parecen ser muy fundamentales en la trama y no ocupan muchos minutos en pantalla, creo que son la raíz de todo lo que envuelve la personalidad de Amy.

CONCLUSIÓN
En general me ha gustado, es un thriller muy recomendable pero no creo que sea la mejor historia que Fincher pueda contarnos. Como he dicho la película va ascendiendo en calidad para caer en picado con la parte final. No creo que sea problema de la dirección ya que la historia está basada en una novela y es la que es, el problema es el intento de querer llegar más allá en la propia trama.

Me ha parecido original la personalidad de los personajes, la historia y también la manera en la que se nos cuenta. No deja cabos sueltos y está narrada al detalle.
Por el trailer parece que se va a centrar en la "caza de brujas" a la que es sometido el personaje de Nick y aunque eso aparece, no es lo más relevante. La película  no se centra en él como sospechoso, si no en ella como persona, toda la película gira en torno a despojarla de las capas que la tapan para enseñarnos como es realmente y Nick es quien nos ayuda a descubrirla.
El papel de Amy es muy sorprendente y no deja indiferente, además de ser sumamente interesante a nivel interpretativo.

Le recomiendo esta película a todos los amantes del género porque está bastante bien como thriller advirtiendo de su larga duración.

¿La has visto? ¿compartes mi opinión? ¿con qué trabajo de este director te quedarías?

GRACIAS POR LEERME

LA ISLA MÍNIMA

¿Te gusta el cine negro, el cine policíaco lleno de suspense, dobles caras y con finales impredecibles? si tu respuesta ha sido sí, ésta es tu película; "La isla mínima" del director sevillano Alberto Rodríguez.

LA HISTORIA
Ambientada en el año 80 y en las marismas del Guadalquivir. Dos policías con diferencias ideológicas notables se ven obligados a trabajar juntos en el caso de dos hermanas adolescentes desaparecidas.
Aunque ese es el argumento principal, la película se compone de pequeñas historias alrededor de esa. Historias que a veces ayudan a hilar la principal y que en otras ocasiones juegan al despiste con el espectador.
LOS PERSONAJES
Los dos personajes principales están interpretados por Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez. Dos actores, especialmente éste último, a los que en pocas ocasiones hemos visto realizando papeles dramáticos, por ello sorprenden soberanamente. Demuestran ser dos grandes actores, llenan la pantalla especialmente en momentos de poco diálogo en los que el director juega con gestos y miradas.

El personaje interpretado por Raúl es el de un joven idealista, convencido de que el país realmente va a cambiar tras los años de transición política, pero en la evolución de la película entendemos que termina desencantado asumiendo que los cambios que el país necesita son más profundos de lo que él ha imaginado.
El personaje de Javier juega al despiste, aunque no es el único. Suele suceder en los trabajos de este director, los personajes son enigmáticos, hay que ir deshojándolos poco a poco, prestando atención a pequeños gestos, a conversaciones que parecen casuales para comprenderlos realmente.
Otros personajes a destacar aunque secundarios son Jesús Castro, Nerea Barrios, Antonio de la Torre, Jesús Carroza o Salvador Reina.

Jesús Castro se ha dado a conocer recientemente a través de la producción "El niño" de Daniel Monzón. En esta ocasión hace un papel similar para el que, como en la otra cinta, es probable que haya sido elegido por su físico aunque tengo que admitir que en "La isla mínima" me ha parecido que tiene más matices como actor, me gusta más esta interpretación.

Nerea Barrios y Antonio de la Torre interpretan a los padres de las chicas desaparecidas. Me cuesta mucho ubicarlos por la edad, no me los creo como padres de dos chicas casi adultas aunque la interpretación de ambos es perfecta.
Jesús Carroza y Salvador Reina ocupan pocos minutos en pantalla pero al primero me ha gustado verlo después de que ya trabajara con este director en "7 vírgenes" aunque este personaje no sea tan carismático como aquel. A Salvador lo recuerdo de una serie de Canal Sur, de hace años y también me ha gustado reencontrármelo haciendo además un papel divertido, sencillo y secundario aunque en realidad sea los pies de los protagonistas.

 No podemos dejar de mencionar al que ha sido el personaje omnipresente en la película, el encargado de darle esa atmósfera tan particular, el que ha ayudado a que el resultado sea de una fotografía impecable, el que aporta carisma e identidad propia. Es el paisaje.

Está rodada en el Bajo Guadalquivir, en medio de las marismas, algo que ha dado un resultado único aunque como afirma su director fuera muy complejo y duro trabajar allí, me atrevo a decir que tan duro como es la propia historia.
Se han hecho comparaciones de "La isla mínima" con la serie americana "True Detective" protagonizada por Matthew McConaughey y uno de los aspectos en los que coinciden es en la estética, aunque también hay parecidos en algunos personajes o en la trama. Temporalmente cuando la serie se estrenó, la película ya estaba rodada por tanto cualquier parecido no es más producto que de la casualidad.

CONCLUSIÓN
Me ha parecido una película muy sensorial, la disfrutas por todos los sentidos. Sumerge al espectador en un laberinto en el que cualquier salida puede ser o no la adecuada. Se pueden hacer mil conjeturas puesto que el final es bastante abierto y cualquiera de ellas puede ser válida porque la historia está realmente medida. Es una película muy cuidada en todos los aspectos.
Como decía al principio es puro cine negro aunque con identidad propia, algo en lo que el director es ya un especialista después de sus anteriores trabajos "Grupo 7" y "7 vírgenes" y con lo que demuestra que hay un cine español de género capaz de competir con las mejores producciones americanas, con buenas historias, buena factura y grandes actores.
Le recomiendo esta película a todo el que disfrute con el thriller, con el suspense, eso sí con la advertencia de que en esta película nada es concluyente, al terminar se necesita cierto reposo para estudiar el desenlace. En mi caso hace 48 horas que la vi y aún estoy atando cabos.

A continuación os dejo el trailer de la película y también el enlace a la revista "Film magazine digital" del mes de octubre que se ha publicado hoy y de la que soy colaboradora.

GRACIAS POR LEERME

OLD BOY

Ayer vi una de esas películas de culto que sabes que algún día vas a ver pero para la cual nunca encuentras el momento.
Me refiero a "Old Boy" la original de 2003, una película coreana dirigida por Park Chan-wook.

En 2013 se hizo en remake americano, por si a alguien le interesa, de la mano del director Spike Lee y protagonizado por Josh Brolin, pero es otro ejemplo de remake innecesario.

La historia nos habla sobre un hombre que sin motivo aparente es encerrado durante quince años en una habitación y que al conseguir escapar busca venganza.
Aparentemente no es una trama nada original, parece que se trata de una más de esas pelis asiáticas de argumento escueto y actores sobreactuados en las que priman las escenas de peleas callejeras que tan de moda estuvieron en los años 70 y 80.

Sin embargo tengo que admitir que me apasionó, me sorprendió gratamente y desde luego que me arrepentí de no haberla visto antes. Es difícil analizarla sin crear spoilers pero vamos a intentarlo.

Es una película que da mucho de sí, la complejidad de la trama va mucho más allá de lo que se percibe en pantalla, que ya es mucho. La historia es de una crueldad extrema pero tengo que decir que en un primer momento no sabía diferenciar si se trataba de una comedia puesto que va evolucionando consiguiendo atrapar al espectador desde el principio causando desconcierto y expectativas a partes iguales.

Crea en el espectador diversos dilemas morales como la disyuntiva sobre la culpabilidad de los implicados, el por qué de los acontecimientos que narra, sobre la manera acertada o no de actuar.

Los actores son notables, especialmente me ha llamado la atención el protagonista Choi Min-sik que sabe interpretar la desesperación y la angustia pero también la impotencia humana llevada al extremo y la chica Kang Hye-jeong que interpreta un personaje totalmente naif, dulce e infantiloide pese a su pretendida pasionalidad, me parece que está inmejorable.

La trama está perfectamente hilada, no deja cabos sueltos exceptuando un final abierto en el que da pie a que el espectador resuelva la historia como crea conveniente.

Al margen de todo eso la dirección es absolutamente formidable, recurriendo a planos imposibles, jugando con las luces y las sombras así como con el tiempo y la dualidad entre el pasado y presente de los personajes y su manera de comportarse.

En el personaje principal se puede ver esa dualidad en dos tiempos diferentes de la película. En ambos momentos nos muestra su desesperación y angustia vital, aunque las causas son diferentes su manera de reaccionar es la misma, eso es un detalle que no siempre los directores tienen en cuenta y que aquí es digno de mención ya que además también ocurre con el adversario del protagonista en sendas ocasiones.

Es curioso el uso que el director hace del espejo como elemento recurrente a lo largo de toda la película, en el momento crucial de la trama el espejo es el absoluto protagonista actuando como lo que en él se refleja. El director hace del espejo un "voyeur" de la escena y también narrador. En otro momento se le da un absoluto protagonismo esa vez mucho más dramático, y es cuando su reflejo nos muestra el desenlace de la historia.

Las metáforas en el lenguaje visual y la portentosa banda sonora juegan igualmente un papel primordial que hacen un conjunto sublime.

Quiero recomendar esta película a los amantes de los grandes desenlaces inesperados, a los que disfruten con una buena confección cinematográfica, a los que busquen una buena película de intriga y a los que pretendan derribar las barreras con el cine asiático, esta es una película diferente como muchas otras que en los últimos años se están haciendo especialmente en Corea del Sur.

La gran frase de la cinta que es como un tótem para el protagonista es "Ríe y el mundo reirá contigo, llora y llorarás solo" me llamó mucho la atención. Al buscarla descubrí que no es original, está sacada de un poema de finales del siglo XIX titulado "Soledad" y escrito por una poetisa americana, Ella Wheeler Wilcox, cuya obra fue tachada de inmoral en su época. Curioso, puesto que el tema principal de esta película es totalmente inmoral también, aunque la frase citada no lo recree.
A continuación dejo el poema completo porque me parece precioso y un ejemplo de la atemporalidad de la poesía romántica.

"Soledad"
Ella Wheeler Wilcox (1850-1919)

Rie, y el mundo rie contigo:
Llora, y llorarás solo.
Lo que la triste vieja tierra debe prestar es alegría
Pero ella misma tiene suficientes problemas.
Canta, y las colinas te contestarán;
Suspira, y se perderá en el aire.
Los ecos rebotan en un alegre sonido,
Pero se encogen sin considerar la voz.

Alégrate, y los hombres te buscarán:
Aflígete, y ellos darán la vuelta y se irán.
Ellos quieren por completo tu placer entero,
Pero no necesitan tu infortunio.
Muéstrate feliz y muchos serán tus amigos;
Muéstrate triste y los perderás a todos.
No hay nadie que decline tu néctar de vino,
Pero debes beber la hiel de la vida en soledad.

Festeja, y tus salones estarán repletos,
Ayuna, y el mundo te ignorará.
Ten éxito y da, y eso te ayuda a vivir,
Pero nadie puede ayudarte a morir.
Hay espacio en los salones del placer
Para un largo y digno tren,
Pero uno por uno todos tenemos que desfilar
Por los estrechos pasillos del dolor.

GRACIAS POR LEERME

EL GRAN HOTEL BUDAPEST

Cuánta temeridad me produce cuando se presenta el cartel de una película cuajado de nombres de actores importantes. Me pasa, porque normalmente eso te crea unas expectativas tales que pocas veces llegan a saciarse completamente. Un ejemplo con la que me pasó hace poco y cuyo título es perfecto para ilustrar la sensación que me dejó como espectadora es "La gran estafa americana".

Al anunciarse la última película de Wes Andersen las ganas de verla decrecían a medida que descubría un nuevo y rimbombante nombre dentro del reparto, sin embargo "El gran hotel Budapest" cumple las expectativas.

Destacan actores como Saorise Ronan, Edward Norton, Willen Dafoe, Jude Law, Adrien Brody, Bill Murray, Owen Wilson o Lea Seydoux, cuya importancia en la película se reduce a unas pocas escenas, muchos de ellos hacen papeles muy secundarios pero su aceptación a la hora de participar en la película se entiende muy bien puesto que se trata de una película exquisita de esas que no se repiten en años.

"El gran hotel Budapest" es una comedia disparatada, inteligente y con personajes esperpénticos, llena de detalles mayúsculos tanto estéticamente como en su cuidado guión. Ningún personaje es azaroso, ningún chascarrillo forzado, una auténtica delicia para los sentidos que en algún punto me recordó a la francesa "Amelie", por la forma de contar la historia, por la ambientación visualmente muy cuidada y con un "punto animado", por el carisma de sus personajes, su manera de actuar y comportarse y hasta por la forma de moverse.

Me gustaría destacar los dos personajes protagonistas, interpretados por Ralph Finnes y Tony Revolori que dan vida al maestro y el aprendiz respectivamente. El primero es muy refinado y perfeccionista, un avispado aunque a veces inocente recepcionista con una personalidad desbordante, que cautiva y se deja cautivar por mujeres de avanzada edad pese a su visible amaneramiento. 

El otro es un joven y leal muchacho acostumbrado a sobrevivir como si del Lazarillo de Tormes se tratara, es un pícaro dispuesto a aprenderlo todo de la mano de su maestro.
Juntos se embarcan en una aventura surrealista a través de la cual se van cruzando con los diferentes y peculiares personajes.

Es una película excéntrica, rocambolesca en algún momento, pero fresca y muy audaz. Como el diseño del propio hotel es pintoresca y recargada, los colores son brillantes y la inundan de una estética muy personal. Es ésta una de esas películas que hay que ver dos veces porque la primera su preciosura visual no deja que te des cuenta del guión tan inteligente que tiene.

El director cuida y mide cada plano al milímetro, nada en ella es casual, creando en el espectador la imperiosa necesidad de tener cien ojos con los que no perder ni el más mínimo detalle.

Si en otras ocasiones he hablado del llamado "cine dentro del cine" (lo que se puede contar como un género propiamente) en este caso podemos hablar de "historia dentro de la historia". Es "El Gran Hotel Budapest" una película hecha a capas en la que la primera es muy fina, una brevísima introducción y cuyo grueso lo lleva una segunda capa, en este caso la historia que el protagonista está contando, su historia.

Aunque en un principio pueda costar entenderla, es algo muy fugaz. Basta con seguir pendiente de la historia unos pocos minutos para adentrarte en ella como un personaje más.
Sin duda es de las que deja una sonrisa en los labios pese a contar una historia muy tierna desde la más profunda nostalgia.

La recomiendo a aquellos espectadores exigentes, que busquen una comedia especial, inusual y realmente divertida, dispuestos a valorar una escenografía de gran nivel, estéticamente exquisita y con un guión alejado totalmente del burdo chiste fácil de las comedias más habituales.

GRACIAS POR LEERME

SÉPTIMO

Mezcla explosiva es la que presenta este thriller de Patxi Amezcua con Ricardo Darín y Belén Rueda como cabeza de cartel. Dos actores con solera y con grandes papeles a sus espaldas, se podría decir que las expectativas que crean son tan grandes que es difícil que se lleguen a satisfacer plenamente.

Ricardo interpreta a Sebastián, un importante abogado que está en trámites de separación de su esposa (Belén). Tienen dos hijos en común. Una mañana que empieza con la rutina habitual, Sebastián va en busca de los niños para llevarlos al colegio y en el escaso tramo que separa la casa, en el séptimo piso, del portal del edificio los niños desaparecen.

Está ambientada en el Buenos Aires actual, de la que se nos muestran planos generales muy bonitos, por cierto. Se trata de un thriller en el que a medida que se desarrollan los acontecimientos se va ganando en confusión más que en intriga. Tiene un ritmo trepidante por lo que su escasa hora y media de duración pasa rapidísimo. A ello ayudan las diferentes hipótesis que se van sucediendo, a medida que pasan los minutos van siendo más descabelladas como fruto del nerviosismo y la incertidumbre. 

Ricardo Darín no decepciona, como en todos los papeles que interpreta está de lo más creíble, cuida cada detalle en su actuación  y es el que sostiene el peso de la película no sólo porque ocupe la gran mayoría de los fotogramas si no porque la calidad de su interpretación es sobresaliente.

Belén tiene un papel más desconcertante pero a todas luces justificado con el desarrollo de la historia. Ella es la protagonista de alguna incoherencia en el guión y de algunos de los cabos sueltos que quedarán al final. Nos tiene acostumbrados a papeles en los que es protagonista absoluta y aquí puede que la sublime presencia de Darín le haga sombra.

Lo más destacable de "Séptimo" son las interpretaciones y la dirección, especialmente la fuerza de alguna escenas en las que el diálogo es mínimo y son los gestos o las miradas las que lo dicen todo. Lo más flojo es el guión en general, lo que hace bueno a un thriller es que te mantenga intrigado y que el final te sorprenda. En este caso y gracias a algunas incoherencias en el mismo el desenlace se presupone con bastante antelación lo que resta fuerza a la película.

Pese a no ser la mejor película de intriga de todos los tiempos merece la pena verse porque es muy amena y entretenida, mantiene la atención del espectador sin recurrir a escenas violentas ni desagradables, y  porque siempre es un placer ver a Ricardo Darín en pantalla. 

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STOCKHOLM

Hace 20 años que se lleva celebrando en la ciudad de Cáceres el Festival de Cine español, siendo desde 2007 un festival con carácter solidario y habiendo ganado reconocimiento nacional desde entonces. Este festival se celebra bajo el patrocinio económico de instituciones públicas y entidades privadas.

El objetivo de su celebración va en una doble dirección, por un lado la promoción y difusión de cine español y por otro recaudar fondos para cooperar con fines solidarios. Este año la Fundación ReBross destinará los beneficios a familias extremeñas con necesidades a través de Cruz Roja Extremadura y al  proyecto de Ayuda en Acción "Queremos que los niños de España crezcan con las mismas oportunidades".

El Festival se celebra del 1 al 15 de marzo y entre otras actividades proyectará 18 películas en los Multicines al módico precio de 3 euros.

El colofón de este festival es la gala de entrega de los premios San Pancracios que este año se celebrará en el Gran Teatro de Cáceres el próximo día 15 de marzo y, al parecer contará con la presencia del actor Eduardo Noriega.

Para más información os dejo el enlace a la página oficial del Festival Solidario de Cine Español de Cáceres.

Una de las proyecciones está siendo la de la película "Stockholm" del director novel Rodrigo Sorogoyen.
Esta película contó con 3 candidaturas en los premios Goya 2014 consiguiendo el galardón al actor revelación para Javier Pereira.

La película nos muestra a un chico que intenta ligar con una chica (Aura Garrido) a la que ha conocido en una fiesta. Se divide en dos partes muy bien diferenciadas. La primera parte ocurre durante la noche y todos podemos sentirnos identificados con ella. El chico, de forma reiterada insiste a la chica e intenta que se fije en él. Ella se mantiene distante aunque la persistencia de él la hará doblegarse.
Durante la noche todo es fantasía, todo se pinta idílico, pero con la luz de la mañana aparece la verdadera cara de cada uno de los protagonistas.

La primera parte de la película, se hace muy monótona, incluso cargante, especialmente el personaje masculino. El diálogo se ve muy forzado y las interpretaciones, a mi forma de ver, algo sobre actuadas.
Parece no avanzar la trama y empiezas a temer que los 90 minutos de película van a ser así y que acabarán cuando consiga ligarse a la chica, algo que es previsible.

Pero lo cierto es que la segunda mitad da un giro asombroso e inesperado. El punto de inflexión entre ambas partes lo marca una secuencia sublime en un ascensor acompañada de música muy alta que me parece perfecta para el giro dramático que viene a continuación.

Esa segunda parte muestra un cambio en los personajes. Un cambio tal, que parecen haberse intercambiado las personalidades. Pero no sólo el cambio es apreciable en los personajes, el guión y la interpretación también lo hacen y es lo que hace interesante la película. Esta parte es la que merece todos los elogios puesto que mientras la anterior era artificio y mentira, ésta es realidad en todos los sentidos.

Parece que los propios actores se quitan la máscara que habían llevado como sus personajes para mostrarse ahora en plenitud.
Se repiten diálogos y situaciones pero con un matiz tan diferente que parecen nuevos. En la segunda parte de la película no hay cabida para más personajes los cuales sí echas en falta en la primera.

Es ésta una película de moraleja sencilla de la que se podría extrapolar que cae en el tópico del macho seductor que sólo busca sexo y de la chica tonta que siempre termina cediendo, pero va más allá.
Está construida de forma delicada y va ganando fuerza a medida que avanza, puesto que cuando estás a punto de desconectarte te atrapa para no soltarte hasta el final.

No es ésta una película para el gran público, se la recomendaría a los amantes del cine de minorías advirtiendo siempre que lo mejor empieza en la mitad, que lo anterior es sólo el preámbulo o la antesala de una curiosa historia. Una película de las que al acabar puede dejarte indiferente pero que tras un breve análisis y reflexión lleva a una valoración positiva puesto que da más juego de lo que parece en la simpleza de su forma.

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PRISIONEROS

El director canadiense Denis Villanueve sacaba a la luz en 2013 su último trabajo. Esta vez se trata de una película estadounidense protagonizada por Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal, "Prisioneros".

Se trata de un thriller policíaco sobre dos niñas que desaparecen sin dejar rastro el día de Acción de Gracias. Keller, el padre de una de las pequeñas, desesperado ante la situación decide tomarse la justicia por su mano.

El padre está interpretado por un magnífico Hugh Jackman que deja de lado el rol de héroe sobrehumano de su anterior trabajo para encarnar a un padre muy terrenal, con  una fe enorme que se escuda bajo el lema "espera lo mejor pero prepárate para lo peor". Un padre que a medida que avanza la película no solo crece en desesperación sino que  hasta su aspecto va mostrando la desolación y la impotencia que siente.
Si la interpretación de Jackman es fantástica la de Gyllenhaal es soberbia. Interpreta al policía encargado del caso, un hombre concienzudo y meticuloso implicado al cien por cien.

 Fue para mí una gran sorpresa descubrir que el director de esta película es Denis Villanueve. De él había visto hace unos años una película buenísima y poco conocida por el gran público, "Incendies" (2010), una película del mismo género que os recomiendo a los que no la hayáis visto.

Hacía mucho que no veía una película como "Prisioneros", intrigante, bien hilada, que no deja cabos sueltos, con un final sorprendente y una base sólida en el argumento. El mejor thriller de los últimos años. Todo eso acompañado de una fotografía fantástica y unos actores en estado de gracia.
Como deben de ser este tipo de películas es larga, son más de 150 minutos que no se hacen pesados porque nada está por casualidad ni de relleno, tiene que ser así para que se desarrolle completamente.

Es una película oscura e inquietante de la que no podrás apartar la atención. Se la recomiendo a todo el público con ganas de disfrutar con una buena película, seria y bien hecha.

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